No Amarás

Tomek(Olaf Lubaszenko), un chico solitario de 19 años vive obsesionado con su vecina  y la espía todos los días, Magda(Grazyna Szapolowska) es una mujer muy liberal, pero desafortunadamente para Tomek es mucho mayor que el. Su impotencia y frustración al ser el espectador de los actos sexuales que Magda mantiene con sus múltiples amantes lo lleva a hacer hasta lo impensable para estar cerca de ella y poder declararle su amor, el cual lo llevara hasta el lado mas oscuro de su ser.

La película pertenece al Decálogo de Kieslowski y en mi humilde opinión es la mejor de esta serie, es muy especial, es real e irreal a la vez, es algo que ya no vemos hoy en día, pues los grandes directores de la  actualidad optan por los efectos especiales y las nuevas tecnologías para embellecer sus historias. En esta película Kieslowski nos demuestra que cuando se ejecuta con tal perfección hace falta muy poco para crear una verdadera obra de arte.

No Amarás, una historia simple, intima, poética, absorbente y seductora. Una película con muy poco dialogo, una película en donde los donde los gestos, las miradas y el lenguaje corporal de los actores va mucho mas allá de lo que las palabras puedan decir.

La película habla sobre soledad, amor, pasión, deseo y locura, es una de esas películas que te transportan a lugares, en este caso un bloque de edificios de la Polonia de 1988, un país gris consumido por el comunismo escenario que apoya de manera perfecta el dramatismo en la vida de estos dos solitarios personajes.

Con una fotografía que te hacen realmente ser un intruso mas ahí y una banda sonora exquisita por parte de Zbigniew Preiser como es usual en las obras de Kieslowski, es una película mas que especial, hipnotiza, es una de esas películas que te hacen desconectar por un momento y olvidarte de todo lo demás.

Archie Rucci.

Tráiler:

Sinopsis:

Tomek es un jovén de 19 años que vive obsesionado con Magda, una mujer treintañera a la que espía cada tarde con unos prismáticos. Ella es una mujer muy liberal y sin prejuicios que invita a su casa a muchos hombre. Tomak, celoso, decide trabajar como repartidor de leche para interrumpir sus citas amorosas...Esta película pertenece a la serie "Decálogo".

Buried (Enterrado)

El guion de una peli imposible de rodar rulaba y rulaba por todo Hollywood sin que nadie se atreviera siquiera a abrirlo una vez se decía su sinopsis: un tío encerrado en un ataúd durante 90 minutos. ¿Pero habrían flashbacks? No. ¿Flashfowards? No. ¿Alguna ensoñación del protagonista? No, NO. 90 minutos, 90 MINUTOS todo en una caja, ESA era la historia.

Hasta que llegó un loco, un director español con solo una peli en su haber con ganas de hacer eso mismo, una locura, y decidió que sí se podía hacer. Ese loco era Rodrigo Cortés el cual, junto a otros locos y un carácter suicida, decidieron ofrecerle el guion a un actor hollywoodiense (Ryan Reynols), el cual  también estaba loco, y aceptó.

La película es una pasada y contesta con contundencia a la pregunta "¿mantendrá el listón sucediendo toda la acción en una caja?", pues sí, vaya que si lo hace. En Sundance ya fliparon, así que tu no has de ser una excepción. Además, es de las pocas películas que me han hecho llorar en su final.

Lo mejor: TODO.

Lo peor: 

Puntuación: 10/10

Víctor Devesa

Tráiler

Sinopsis

Después de ser secuestrado, Paul Conroy (Ryan Reynolds), contratista civil en Irak, se despierta enterrado vivo en un viejo ataúd de madera sin más armas que un teléfono móvil y un mechero. El teléfono podría ser el único medio que lo salvara de esa mortal pesadilla., pero la precariedad de la cobertura y la escasa batería parecen obstáculos insuperables en su lucha contra el tiempo: sólo dispone de 90 minutos para ser rescatado antes de que se le agote el oxígeno. Interesante film español de suspense, que fue presentado en Sundance 2010 y que levantó mucha expectación. 

El increíble hombre menguante

Si esta película se hubiera hecho este año, yo ya hubiera flipado con los efectos especiales, me hubiera quedado patidifuso, como cuando acabas de presenciar un increíble número de magia y miras a los lados como exigiendo que alguien aparezca y te descubra el secreto que sostiene el truco. Pero no, resulta que esta maravilla del engaño visual es de 1957, y se llama El increíble hombre menguante.

Y es que el protagonista (Grant Williams) de esta película empieza a sentir en su cuerpo un fenómeno extraño: tras pasar debajo de una densa nube cuando iba a bordo de su barco, unos meses después comienza a perder altura y peso, empieza a menguar, lo que resultará un problema en todas las áreas de su vida: la afectiva, doméstica, labora…

Hasta que su cuerpo se haga tan pequeño que su vida pase a ser una lucha por sobrevivir, y lo que antes era un encantador gato, ahora es un enemigo mortal. No os perdáis por favor al lucha final contra la araña, utilizando una aguja de coser como espada.

Con un final para mi opinión que cierra muy bien la historia, aunque no lo parezca, y que hace de ella una completa obra maestra. O más bien yo diría obra de arte, pues los hacedores de este film (dirigida por Jack Arnold) podemos considerarlos auténticos artesanos del séptimo arte. Sin ordenadores, ni 3D, ni nada, solo jugando con la perspectiva, las ópticas y los tamaños, consiguen que el protagonista mengue más y más de manera magistral… ¡Disfrutad!

Víctor Devesa

Sinopsis

Después de atravesar una nube sospechosa, Scott Carey comienza a vivir un fenómeno extraño en su cuerpo: está menguando poco a poco. De este modo, su día a día se irá convirtiendo cada vez más en una pesadilla, lo más nimio se convertirá en una auténtica lucha por sobrevivir.

Tráiler

El tercer hombre

La realidad es que tuve que realizar un segundo visionado para darme cuenta de por que este film siempre esta entre las primeras en los rankings de mejores películas de la historia. Pero reconozco que en ese visionado vi la luz, y me enamore de esta obra maestra y de esa Viena tenebrosa que se nos muestra.

La trama del film te va atrapando poco a poco, ya sea por los trazos de su guion (con tintes de cine negro) o la atmósfera esa puramente expresionista (Oscar a la mejor fotografía en 1950) con los claroscuros envolviendo las calles de Viena mientras el protagonista trata de resolver el misterio de su amigo desaparecido. Y hemos de hablar de ese misterioso desaparecido, que no es otro que Orson Wells, el cual se dice que metió mano en la dirección de la cinta de Carol Reed, algo probable.

Por ultimo, destacar una curiosidad formal del film que le da gran fuerza visual y que, parece raro que en casi ninguna película se haya vuelto a hacer posteriormente, y es que cada dos-tres planos el encuadre esta torcido, algo que al principio impacta pero que luego se convierte en algo mas que una simple pirueta formal, le da un toque inquietante que le va perfecto al film, un detalle mas de esta grandiosa película que te atrapara (mejor película en Cannes en 1949), aunque no quieras...

Y ese ultimo plano fijo, que con nada, sin palabra alguna, lo dice todo...

Victor Devesa

Sinopsis

Un amigo va a Viena a visitar a un amigo, pero este ha desaparecido misteriosamente...

Trailer

La Haine (El Odio)

SALTO ATRÁS

Está claro que nos emociona a todos lo que queda por adelante. Estrenos, súper producción, nueva tecnología, bombardeo de acción y efectos especiales son los que nos llama la atención hoy y mañana.

Yo creo que para entender el cine de hoy, has de entender el cine de ayer, por lo tanto os invito a hacer un salto atrás conmigo. Os llevaré 30 años atrás hacía la película maestra del director Mathieu Kassovitz, "La Haine" (El Odio). 

Esta película rodada en 1995, cuenta con un reparto excepcional, Vincent Cassel, Hubert Koundé, Saïd Taghmaoui. Obtuvo el premio de mejor dirección en el Festival de Cannes, César a la mejor película y montaje y nada menos que 10 nominaciones.

¿Por qué esta cinta en particular? La primera razón es personal, como a mucha otra gente en aquella época "La Haine" marcó mi juventud a un nivel social, emocional y por supuesto cinematográfico. La segunda razón es que estamos hablando verdaderamente de un retrato social de 24 horas rodado en blanco y negro de una potencia sin comparación.

La cinta pone de relieve la vida morbosa de los jóvenes de los suburbios parisinos, de los enfrentamientos contra las fuerzas de la policía y del odio que contamina su cotidianidad. 

Mathieu Kassovitz logró alcanzar la belleza cinematográfica en mi opinión gracias a un guión y una dirección fuera de serie. Cada plano es una obra magistral, cada momento trasmite un mensaje sutil, cada diálogo es un guiño al espectador. La verdad es que me resulta muy difícil hoy hablaros de "La Haine" con más palabras que de todos modos no conseguirán describir lo que siento y lo que puede hacer sentir esta cinta. Por lo tanto, os invito y os animo a todos a verla sin esperar más, si aún no está hecho, y si fuese el caso, a verla otra vez para disfrutar de esta perla cinematográfica, teniendo en la mente que se trata de un salto de 30 años atrás y sigue siendo brutalmente de actualidad. 

Abee

Sinopsis

Tras una noche de disturbios en un barrio marginal de las afueras de París, Les Muguets, tres amigos, Vinz, Saïd y Hubert, son testigos de un hecho, en el que su amigo Abdel resulta herido por la policía. Se escucha el rumor durante esa noche un policía perdió su pistola, pronto sabremos que Vinz la lleva puesta en el cinturón con la firme intención de vengar a Adbel, matando a un policía, si este no sale del coma. El deambular por la ciudad, la violencia entre bandas y los conflictos con la policía son las constantes en las 24 horas siguientes de la vida de estos jóvenes.

Tráiler

"YO SOY EL AMOR", recital de Tilda Swinton.

YO SOY EL AMOR  ( "Io sono l'amore" , Italia, 2009 ).

¿Te van las películas de acción, con planos rápidos y montaje vertiginoso, productos para el aquí y ahora y no pensar demasiado? pues pasa de largo ésta recomendación, ésta no es tu película.

¿Y porqué digo esto? Porque películas como ésta suponen todo lo contrario: un CINE PAUSADO que no aburrido, UNA HISTORIA QUE ENCIERRA OTRA MÁS POTENTE Y MUCHAS  IMAGENES HIPNÓTICAS... tampoco esta mal ¿no?

                                                

Esta película italiana pequeña, en apariencia íntima, esconde grandes aciertos.

Y digo esconde porque la película es eso, un regalo bien envuelto el cual vamos desgranando y encontrando por el camino grandes alicientes:  personajes enclaustrados ( un ama de casa soberbia en apariencia  y metódica hasta la extenuación , una hija que vive una vida paralela, un hijo que sobrelleva el peso de un negocio familiar y no termina de ser feliz ) y empequeñecidos en su propio hábitat.  

    

                                    

De esto ultimo, de crear esta sensación se encargan unos fantásticos planos en los cuales queda enfatizado el tamaño de la casa donde habitan, se "empequeñece" a sus huéspedes para mostrarlos mas vulnerables, mas pequeños....mas frágiles....al tiempo que remarcan su soledad.     

Este es uno de los aciertos del film, ademas de esas fascinantes imágenes (véase el romance entero de los protagonistas en el campo...con beso final desenfocado...o esa madre probando el marisco que le prepara su amante donde el tiempo se detiene ).

                                         

Si a ello añadimos el fantástico despliegue interpretativo que ofrece Tilda Swinton, su protagonista ( ¿como elegir la mejor interpretación de una de las mejores actrices del momento ?) y unas bellísimas imágenes de la geografía italiana, hacen que esta sea una película ciertamente especial.;   mención especial para la escena final, madre-hija frente a frente simulando un espejo, una imagen de la otra, viéndose reflejadas una en la otra....es este uno de los momentos de clímax fílmico mas memorables que yo recuerde en una película reciente.

Ver a Tilda Swinton construir o mas bien DECONSTRUIR SU PERSONAJE ( como su amante deconstruye la comida, ella se deconstruye para renacer ) , un personaje que como se encargan bien de recordarle su propio marido e hijo "no existe"..es todo un deleite...y no existe porque ella no pertenece a su familia, no pertenece a su casa...porque ella, la "rusa", la niña rusa que queda dentro de ella, no es lo que vimos al comienzo del film....es solo amor....el débil hálito de amor que aún queda en esa familia, y , como tal, negado y silenciado por la tradición.

                                         

Yo soy el amor es un claro ejemplo de ese cine que se te mete dentro, QUE CRECE DENTRO DEL ESPECTADOR CON EL TIEMPO, esas películas que tras ver te hacen quedar en un pequeño "shock"emocional y es solo al cabo de los días, cuando vas pudiendo apreciar todo lo que esas imágenes te ofrecieron;   como el buen vino, como las buenas comidas, ...esta película crece y  se sigue recordando con el paso del tiempo.      

Si os gustó "La gran Belleza", si os gusta el cine de Eastwood, o si simplemente os gusta el buen comer y disfrutáis de una buena copa de vino....no os la perdáis.

Paco Gonzalez de la Rosa,  Dream-maker.

SINOPSIS:  Una familia aburguesada prepara el relevo generacional de la empresa familiar, mientras la matriarca de la misma se debate entre la tradición y el amor.

Trailer:

Una noche en la ópera

Mankiewicz: “Groucho y Chico de pie delante de un muro haciendo chistes durante una hora y cuarenta minutos ya me parece un argumento bastante bueno”

Aquí tenéis la que sea seguramente la mejor película de los Hermanos Marx según casi todas las listas, lo que no quiere decir que sea la más loca (dejemos ese honor a Sopa de ganso). Si está así de considerada es porque es de las primeras, y únicas, películas de los Marx en que se pone énfasis en la estructura de guion, en que tenga más solidez, y no en vano es la más taquillera de sus películas.

La película se basa en el amor imposible de dos enamorados, a los que los hermanos Marx tratarán de “ayudar” como ellos solo saben. Alrededor de esta línea argumental, los geniales cómicos desplegarán su humor inteligente, absurdo y de slapstic (sobre todo con el mudo Harpo), configurando una película cómica que parece que se ha vuelto intemporal, pudiendo perfectamente con el paso de los años.

Y será por escenas míticas. Grandes momentos del film se han convertido en icónicos sin ninguna discusión. El famoso camarote, en el que los hermanos van de polizones y allí acude hasta el apuntador; la escena inicial en la que Groucho da plantón a Margaret Dumont (actriz que, según ella, nunca pudo lograr que la tomaran en serio tras sus pelis con ellos: “siempre pensaban que Groucho saldrían de repente detrás de mi falda”); el buffet libre que se pegan en el barco, la escena final en el teatro y la súper mítica de Groucho y Chico con el famoso contrato y sus partes contratantes... En definitiva, ¡disfrutad de los maestros de la comedia!

Víctor Devesa

Sinopsis

Los hermanos Marx se embarcan como polizones en un barco organizando un viaje de caos y de locura que se coronará en la noche de estreno de una prestigiosa ópera en Nueva York.

Tráiler

Las aventuras del barón Münchausen

Surcar los mares volando hasta llegar a la luna desierta para volver a través de un volcán a la tierra atravesándola por la mitad y salir por los mares del sur es una de esas cosas icónicas que el mismo Julio Verne habría decidido divagar sobre lo que hablar un rato.

Sin embargo, como esto es una comedia de aventuras disparatadas como lo es Terry Gilliam -quien podríamos identificar sobre el personaje como el barón- es el que toma el piloto, el resultado es algo tan original como maravilloso que reafirman a este director de lo absurdo como el mejor dentro de su idiotez de mundo que muchos deberían catalogar como completamente atemporal y fuera de contexto racional como se atreve a dudar desde un principio lógico.

John Neville encarna a este disparatado personaje.

Se presenta como un personaje capaz de aportar locura a un mundo loco y racional, al que la muerte le acecha o le persigue, pero que para el caso es mejor disfrutar del éxtasis de la vida para no envejecer.

Hasta el mismísimo Descartes se jactaría de los chistes sobre la dualidad cuerpo y alma o mente, que pocos entenderían separar pero que sin duda son hilarantes. Cómo hace sonsacarte sutilmente la inocencia de la risa representada bajo el protagonismo de la joven y "psychedelic Sally" -como dice la canción: woo. Pero sin duda, alguna lo que tiene mayor mérito es hacer una crítica mientras el tiempo pasa, porque qué mejor forma de meterse en el pellejo de la atemporalidad de la película que pensar que estamos en guerra como en muchos países ya.

Un personaje entrañable y una historia redonda. Quizás porque está inspirado en un personaje real.

En guerra y atrapados dentro de un pez malvado gigante no en el que gira al mundo sino sobre donde están como mejor símbolo de la captura sistemática, cual mundodisco representado por las figuras de una tortuga sobre cuatro elefantes, habría que situar esta otra dentro de la escala por la que se rige el mundo. Pero bueno, yo soy un fiel seguidor de las sabias palabras de Lovecraft y creo en los mitos de Chtulu, lo más probable es que nos dirija el universo el más manoslargas, cual pulpo.

De todas las frases me quedo con la de: "Por qué no puedes dejarme morir de vez en cuando." Conclusión: todo un despliegue de ingenio y creatividad tanto con sus personajes en combate como las situaciones surrealistas en las que se mueve. La pieza en carne y hueso más psicodélica que puedes encontrar.

Aaron J. Martín

Tráiler: 

Sinopsis: 

¿Quién es el Barón Münchausen? ¿Un farsante? ¿Un bribón? ¿Un loco? ¿O quizá el héroe más valiente que luchó y venció en los más disparatados combates? ¿Será cierto que cabalgó por los aires en una bala de cañón, que acabó con un dragón de tres cabezas, que viajó a la Luna y todo aquello antes de desayunar?

Post Tenebras lux

Creo que es casi imposible hablar de esta película sin hablar antes de su creador Carlos Reygadas, un abogado que se convirtió en cineasta porque estaba harto de su ordenado estilo de vida y que hace películas ignorando algunas de las reglas básicas del cine y aplicando métodos poco usados como la utilización de no-actores en sus películas y haciendo cosas como colocar mal a propósito la lente de la cámara para obtener efectos inesperados.  

De ''Post Tenebras Lux'' se pueden decir tantas cosas diferentes, es una película con un significado algo abierto a la interpretación y con un final que en mi opinión no es la parte mas importante de la película.

Una película muy intima, una película de relaciones humanas, choques sociales, amor, dolor, ira, perdón, muerte, arrepentimiento. Una película completa que se presenta de la manera mas cotidiana posible. 

Con escenas que se escapan de la lógica, la trama es la sucesión de recuerdos, sueños, deseos etc. que se presentan al espectador de forma lineal así como la vida misma. 

Es sin duda alguna la mejor película de Reygadas, tan extraña y perturbadora como emocionante y conmovedora, una película que dudo que se pueda comparar con alguna otra, obra única e irrepetible, una inspiración para  una nueva generación de cineastas.  

Ganadora del premio al mejor director en el festival de Cannes en 2012 

Ar

Tráiler:

Sinopsis: 

La película aborda, con una peculiar narrativa, la vida de Juan (Adolfo Jiménez Castro). Un adinerado jefe de familia que, junto a su esposa Natalia (Nathalia Acevedo) y sus dos pequeños hijos Eleazar (Eleazar Reygadas) y Rut (Rut Reygadas), deciden cambiar la vida de la ciudad por la simple y sencilla vida de campo. Comenzando de nuevo, con una ostentosa casa (a comparación de los pocos vecinos que por ahí viven) empiezan a disfrutar del momentáneo sabor que la vida rural parece evocar. Así pues, el degradado sabor que imperaba al comienzo, empieza a desmoronarse para el matrimonio. Los hijos, por otro lado, disfrutan la vida nada engorrosa y perfecta que les ofrece ese lugar desapacible. El personaje de Juan empieza a tener contacto con la gente que vive en el mismo rumbo. El Siete (Willebaldo Torres), un hombre que suele hacer lo que esté en sus manos para sobrevivir lo lleva a conocer las reuniones de alcohólicos anónimos que se tienen en una destartalada cabaña en medio del bosque. La película nos lleva a manos de los problemas más íntimos que cada uno de los personas contrae, no para alimentar un argumento superficial, sino que cada personaje se ve inmiscuido en los problemas que aquejan el día a día de una cultura rural. Donde el mundo es cruel y la vida es más dura.

Alicia en el país de las maravillas [1999]

Una introducción increíble. Fidedigna al libro, tanto al primero como a lo que cabía en la historia de la continuación "A través del espejo" como bien se muestra el cambio de libro.

Incluye canciones que no se podrían apreciar en el libro también fieles al original. Cabe aclarar que la mayoría de canciones y poesías populares que ponía Carroll eran parodias propias, de ahí que no recuerde Alicia bien o que salgan cosas raras debido a juegos de palabras antiguos.

Lo único que le falta es el Jerigóndor, el poema, pero mejor que meterlo por donde quepa como hizo Tim, evidenciarlo y ya está, sin que aparezca ni implícitamente ("Silbramaban las alecas rastas...").

Los personajes fieles en la medida de lo posible, la Sopa de Falsa tortuga es realmente una ternera con caparazón... pero a quién se le ocurriría hacer hablar a una vaca y mucho menos meterla en un caparazón de tortuga. "Sopa de tardeee". 

  Por este no aniversario de Lewis Carroll ni de Alicia.

Comparando el sombrerero y la oruga con la versión disney, me quedaría con la de disney... pero las referencias aquí son mucho más acertadas, sutiles y lógicas para cuando despierta que todo cobrase sentido.

Lo mejor de todo el final, donde Charles Dodgson se mostró tal y como era, todo un caballero blanco aunque un poco loco que veía todo al revés porque así pensaba mejor. 

Toda una película de culto, un hito para la literatura y el cine y sobre todo para el mismísimo Lewis Carroll. Y además la considero una pieza que no solo roza la "obra de arte" sino que debido a las excentricidades y locuras de la misma, debería ser considerada "Película imprescindible por todos los motivos" desde didácticos, "originales" y creativos por la fidelidad para con el libro original, y por las escenografías, imágenes psicodélicas y la magnífica fotografía. ¿Acaso cabe esperar algo más de una película basada en una obra maestra?

 A todas aquellas personas que no les gusta o no les gustó en su más tierna infancia estoy casi seguro de que hoy en día no tienen ni un ápice de creatividad. Que seguro que el sistema educativo actual les parece correcto y que esta película no tiene ni pies ni cabeza, ni sentidos ocultos ni originalidad.

A todos ellos os digo que seréis unos grandes trabajadores sin iniciativa ni capacidad de resolución de problemas complejos mediante el uso de lo que habéis rechazado tanto vosotros como vuestro amado sistema de destrucción de la creatividad, llamado colegio.

Creo que es de las mejores creaciones jamás hechas, desde el más tierno y dulce cariño dedicado con mucho amor a Alicia Liddell. Hablo del gran libro homónimo de Lewis Carrol, "Dodo" para los amigos y Charles Dodgson para los conocidos. Un brillante matemático, diácono y sobre todo escritor capaz de, por el contrario de lo que la mayoría piensa, crear un mundo TOTALMENTE LÓGICO, claro que fuera de los patrones corrientes.

Muchos no saben que sí firmaba libros como Charles Dodgson, pero estos eran sobre problemas matemáticos.

Me explico: un matemático (y cualquiera que se precie) es capaz de crear combinaciones y mundos paralelos, lógicos y que se sostienen por algún lado.

Alicia es una historia contada para una niña y sus hermanas. Lewis, que como dato curioso era tartamudo y cojeaba, improvisaba estas maravillosas historias hasta que la niña de sus ojos le pidió que se lo escribiera. En esta "historia" se aprecian valores y morales para nada propios de una niña tan pequeña, pero que encima si vuelves a ver con una edad mental de adulto y con todas las papeletas del inconsciente en tu mano, podrás fascinarte de la genialidad de la obra. Muy fiel al libro, y con aportaciones Disney muy acertadas, como los maravillosos seres que en esta película aparecen, la formación de figuras desde el humo de la oruga, e incluso con las enseñanzas de "¿Quién eres tú?".

La primera película de Walt fue sobre Alicia.

Toda una lección tanto de vida como de creatividad para muchos que no han podido tener un padre que les contase un cuento sacado de la manga cada noche, que por cierto, como otro dato curioso y revelador, Lewis Carroll era prestidigitador o "mago", de ahí que aparezcan cosas tan curiosas como los personajes de las Cartas como la famosa Reina de Corazones y sus súbditos o incluso al mismísimo conejo blanco. Igual que el Sombrerero Loco y la Liebre de Mayo tienen una historia lógica de porqué aparecen. El pozo de melaza existía como tal, claro que era un simple pozo cerca de donde vivían las hermanas Riddel. Incluso más cosas que no se pueden apreciar en esta película porque fueron suprimidas.

Todo eso para crear desde una lógica de juegos de palabras, una lógica de la época en la que vivían (que fuera de contexto parece más surrealista, siendo solo de trasfondo más atemporal), una lógica de un mundo imaginario con el único objetivo de enseñar y entretener al mismo tiempo que por supuesto creo yo que lo ha conseguido... o por lo menos espero que con muchos.

 

Trailer

Sinopsis

Alicia está en su casa con sus padres y algunos invitados. Todos esperan la pequeña representación que la tímida Alicia ha preparado cuando, de repente, la pequeña decide huir de la casa presa de los nervios que no ha podido contener. En su huida, se cruzará con un enorme conejo blanco al que seguirá hasta su madriguera... desde donde entrará en un increíble mundo de mágicas aventuras. En su fantástico viaje, Alicia se encontrará con multitud de sorprendentes personajes que le darán inolvidables lecciones. Cuando, finalmente, llega a la corte del Croquet, el rey, furioso con su actitud, decretará: “Es hora de volver al mundo real”. Al despertarse en el bosque se dará cuenta que todo ha sido un sueño producto de su imaginación desbordante... o tal vez no.

CHAPLIN

Hoy quiero poner encima de la mesa una película que debería haberse quedado en la retina de todos, y no lo ha hecho, incomprensiblemente para mí. Y esta cinta no es otra que aquella que supone la biografía de Charles Chaplin llevada a la pantalla: Chaplin (1992).

Protagonizada por un jovencísimo Robert Downey Jr. (¡sí, el de Iron Man!), narra la vida de Chaplin desde que se traslada a las soleadas tierras del oeste de Estados Unidos a hacerse un nombre en Hollywood hasta los últimos días de su vida en su destierro en tierras suizas.

Y es que es que la vida de esta súper artista fue un auténtico peliculón, y este gran biopic lo explica todo: sus duros comienzos, cómo crea Charlot (muy buena la escena en que fantasea con ese momento mágico, que no lo fue tanto), sus desavenencias con Mark Sennet, la United Artist, Tiempos Modernos, El gran dictador, la Caza de Brujas o su acusación de comunista, su exilio… Un film apasionante con el que además se aprende historia del séptimo arte y de los comienzos de esa jungla que es Hollywood.

Gran interpretación de Robert Downey Jr., que fue nominado al Oscar por este papel, y no lo ganó (tiempo después acabaría en un centro de rehabilitación de drogadictos, se dice que cayó en una profunda depresión por no ganarlo, entre otras cosas). Pero tampoco se sacan todas las  facetas positivas de la personalidad de Chaplin, este era una figura con muchas aristas, y uno de ellas es que quizás era algo hipócrita, como se refleja en la irónica escena de la composición de la banda sonora de Tiempos Modernos: él está haciendo una película que critica la explotación de la clase obrera, cuando él mismo explotó a los miembros del rodaje para llevar a cabo este film.

Dicho esto, si amas el Cine, quieres aprender se su historia, si admiras a Chaplin o quieres descubrirlo, y si te atrae la manera de hacer de Downey Jr , solo me queda decirte… ¡Disfruta!

Víctor Devesa

Tráiler

Sinopsis

Biopic del genio Charles Chaplin, en el que se narra sus comienzos en Hollywood y su creación del personaje de Charlot hasta sus últimos días de exilio en Suiza.

Caballero sin espada

Por algún extraño motivo en el año 1939 se produjo una especie de conjunción de astros que dio como resultado el posiblemente año más productivo de la historia del Cine: El mago de Oz, Lo que el viento se llevó, Cumbres borrascosas, La diligencia… En efecto, ganar un Oscar ese año era todo un logro, logro que consiguió el film del que hablamos hoy…

Caballero sin espada (Mr. Smith Goes to Washington, 1939) ganó el Oscar a la mejor historia quizás por reflejar una situación que ha pasado a ser universal (tristemente) y que hace que podamos considerar este film como de máxima actualidad. Y digo de máxima actualidad porque la historia que narra puede atribuirse a cualquiera de los actuales parlamentos del mundo. En el film, el protagonista, James Stewart, es un joven político de pueblo que es elegido como senador para representar a los suyos, y acude al parlamento de Washington con grandes valores y honradez, lo que dificultará enormemente su integración en la capital.

En esta cinta, el maniqueísmo y buenrrollismo que siempre mostraba Frank Capra (véase ¡Qué bello es vivir!) encajan muy bien en la historia que quiere contar. Y qué mejor protagonista que Jimmy Stewart (interpretación épica en ese último discurso) para abanderar los valores más nobles, el cual está soberbio en la escena final en la que ha de aguantar estoicamente (no diremos el qué) para lograr su objetivo de defender a sus ciudadanos.

La imagen de Stewart en el parlamento, sudado, hecho polvo de tantas horas aguantando de pie se ha convertido en una imagen muy potente de la historia del cine. Incluso ha recibido diversos homenajes, como en el episodio de Los Simpson el que Homer ayuda a Mel Gibson a cambiar el final del remake protagonizado por el actor y ruedan un final lleno de sangre y acción en el que Mel acaba matando al propio presidente.

¡Qué disfrutéis del mejor cine clásico!

Víctor Devesa

Tráiler

Sinopsis

El joven político Jefferson Smith (James Stewart) es elegido senador y acude por primera vez al parlamento de Washington. Su objetivo es construir en su localidad un parque en unos terrenos, el problema es que esos terrenos interesan a las altas esferas. Para quitárselo de en medio, los demás senadores podrán a la opinión pública en su contra, metiéndole una enorme presión para que abandone, pero él no quiere volver a su tierra derrotado y recurre al obstruccionismo (no explicaremos qué es esto, pues es la clave del film, pero resulta enormemente interesante que exista algo así en los parlamentos) para demostrar hasta la extenuación que es inocente.

El árbol de la vida

Una imagen dice mil palabras, mil imágenes pueden contar la historia de la humanidad desde sus orígenes...

Paisajes que parecen de otro planeta, criaturas mitológicas, auroras boreales, dinosaurios y magnificas imágenes de lo que fue la tierra y sus transformaciones. Pero, ¿como esta todo eso relacionado con esa historia de la familia que se va desarrollando simultáneamente?

No se necesitan diálogos para contar una historia, eso nos lo deja claro Terrence Malick en esta película, diálogos muy escasos y voces en off de los personajes que narran sus sueños, miedos recuerdos, etc. es algo que me gusta llamar ''poesía visual'' 

Planos increíbles, fotografía nominada al Oscar en el 2011, a cargo del reciente ganador del mismo galardón Emmanuel Lubezki,  con ''Gravity'' y nominado antes con películas como ''Hijos de los hombres'' y ''The New World''. Trabajo simplemente sensacional  del ''Chivo'' en esta película. 

Pero regresando a la pregunta anterior... Quizás sea un punto de vista demasiado personal, seguramente habrán personas que estén en desacuerdo, pero para mi el trasfondo de esta historia es simple, tan simple como la vida misma. 

    

Bella, tierna, hospitalaria, acostumbrada a dar y dar, ingenua... el papel de la madre en esta película desde mi punto de vista personal representa a la madre tierra o la madre naturaleza, ''ser que da vida''.   

Estricto, rígido, ser que da y quita, es el papel del padre que interpreta Brad Pitt en esta película y que desde mi punto de vista representa al ''ser superior'', esa figura poderosa que brinda amor y protección, pero que también castiga sin compasión.    

Una película para disfrutar, abrir la mente y dejarse sorprender. No voy a decir mas porque parecerá que estoy siendo imparcial ya que es una de mis películas favoritas, así que dejo el trailer por aquí de esta nominada a tres premios Oscar y ganadora de la Palma de Oro en Cannes  por si aun no la has visto. 

-Ar

Sinopsis

Estados Unidos, años 50. Jack (Hunter McCracken) es un niño que vive con sus hermanos y sus padres. Mientras que su madre (Jessica Chastain) encarna el amor y la ternura, su padre (Brad Pitt) representa la severidad, pues la cree necesaria para enseñarle al niño a enfrentarse a un mundo hostil. Ese proceso de formación se extiende desde la niñez hasta la edad adulta. Es entonces cuando Jack (Sean Penn) evoca los momentos trascendentes de su infancia y trata de comprender qué influencia tuvieron sobre él y hasta qué punto determinaron su vida. 

Tráiler