Una vez más, el maestro Woody Allen no falta a su cita anual con sus incondicionales fans. Esta vez será el 26 de agosto, de la mano de su última obra, Café Society. Protagonizada por Kristen Stewart, Jesse Eisenberg y Steve Carrell, está ambientada en los años 30 en Los Ángeles, en aquel Hollywood legendario. Esperemos que esté a la altura de las siempre altas expectativas que se depositan sobre los hombros del genio de Brooklyn.
Una casa y pocos personajes, el reto más duro para un guionista. Un alivio para la producción, pero un gran rompecabezas para el arte de la dramaturgia. De aquí parte Inés París, guionista (asesorada por Fernando Colomo) y directora de La noche que mi madre mató a mi padre, un film coral del que sale airosa y con el que soltarás más de una carcajada.
Recuerda a planteamientos teatrales y a los llamados films franceses, en los que el metraje se desarrolla en torno a una cena en la mayoría de ocasiones, finos diálogos y un grupo de actores en estado de gracia. Eduard Fernández demuestra gran músculo cómico, tras basar su carrera en al vertiente dramática. María Pujalte, en su línea, muy sólida. Patricia Montero muy graciosa haciendo el papel de actriz sobreactuada, Fele Martínez sobrio, Belén Rueda todoterreno y el gran Diego Peretti, haciendo de Diego Peretti.
El objetivo será convencer a un actor, el gran Diego Peretti, de que haga un papel en el próximo film de los personajes de Pujalte y Fernández, una cena en teoría apacible que se irá complicando hasta sorprender al espectador a mitad del film (se agradece que la guionista se devane los sesos para ofrecer algo más de lo visto habitualmente), y encarrilar un tercer acto desternillante. Comedia negra en estado puro, de esa que hemos sabido hacer tan bien en este país (dios Azcona mediante), aliñada con referentes tan saludables como la gran 'Misterioso asesinato en Mahanttan', del genio Woody Allen (1993)
Sinceramente, un gran descubrimiento.
Lo mejor: el guion, Eduard Fernández, Peretti, Rueda...
Lo peor: que será otra gran película hecha en nuestro país que casi nadie verá o sabrá de ella.
Isabel se debate entre su necesidad de sentirse valorada profesionalmente como actriz, sus inseguridades, su temor a envejecer, su coquetería y sus contradicciones. Una noche lsabel es la anfitriona de una cena muy especial: su marido Ángel, que es guionista, y Susana, la ex-mujer de Ángel, y directora de cine, quieren convencer al actor argentino Diego Peretti para que protagonice una película. Pero en un momento dado ocurre algo inesperado que sorprende a todos y perturba la velada.
El pregón supone el salto cinematográfico de la pareja televisiva Andreu Buenafuente y Berto Romero, y el tercer largometraje del joven director Dani de la Orden. La expectación era grande, por lo menos por parte de un servidor, fan y seguidor primero de Buenafuente y sus lates, y luego del meteórico Berto, que desde que apareció le ha ido ganando terreno, incluso apareciendo ya en numerosas películas.
La idea de la película, a cargo de Diego San José (coguionista de, entre otras, 8 apellidos vascos), es genial a mi parecer: dos hermanos que formaban el grupo tecno Supergalactic en los 90, son hoy día dos auténticos fracasados. Su relación está rota pero en su pueblo les llaman para dar el pregón de las fiestas, ocasión para reencontrarse y enfrentarse al pasado.
La película engancha, con un principio que recuerda al principio de 'Tú la letra y yo la música', arrancando con uno de los supuestos videoclips del grupo, todo muy hortera, muy fresquito y gracioso, una gran parodia para empezar de los hits de verano.
Casi lo mejor de la película es el personaje que construye Berto, típica estrella del rock, o eso cree él. En realidad, es un fracasado con aires de grandeza, y con un punto gay aunque sea hetero. En definitiva, está muy divertido y compensa con un punto más serio que aporta Andreu dentro de la pareja cómica que son, aunque este último también tiene grandes escenas, como el momento post-cocaína.
Mención especial a dos secundarios de lujo: Jorge Sanz, como furioso alcalde de pueblo, y Goyo Jiménez, fenomenal como paleto. Quizás la historia se cierra de manera algo precipitada, algo rápido, como que esperas que se explote un poco más la historia, de ahí su poco metraje. Aun así, resulta una película sin pretensiones, que da lo que promete y con
la que se pasa un gran rato. Entretenimiento puro.
Juraron que no se verían las caras nunca más pero, por una cantidad razonable de dinero, están dispuestos a hacer una excepción. Los hermanos Osorio, glorias olvidadas de la música electrónica de los 90 con el grupo Supergalactic, años después han tocado fondo, totalmente olvidados. Cuando les contratan para ir juntos a dar el pregón en su pueblo natal no imaginan la que se les viene encima. Sus intenciones de llegar, ganar el dinero y salir corriendo se ven truncadas por planes secretos, hordas de fans y tradiciones ancestrales.
El próximo 1 de abril, 50 años después de la publicación de "El cine según Hitchcock" de FrançoisTruffaut, el director Kent Jones invita a algunos de los mejores directores de nuestros días para hablar del maestro del suspense, el gran Alfred Hitchcock, en su documental 'Hitchcock/Truffaut', toda una delicia para los amantes del cine.
El próximo 4 de marzo se estrena Cien años de perdón, de Daniel Calparsoro, protagonizada por Luis Tosar y José Coronado. Un grupo de ladrones entra en la sede central de un banco de Valencia, lo que parecía un robo fácil, pero todo se complica de forma inesperada. Esto provoca el enfrentamiento entre los dos líderes de la banda. ¿Será el próximo pelotazo de Mediaset España?
El cine hecho en España (nunca entenderé la denominación "cine español", como si fuera un género) va a más inevitablemente. Cada vez tenemos menos complejos y nos atrevemos con retos mayores, abrazando el cine de género, acción y afrontando retos técnicos. Este es el caso de lo nuevo de Kike Maíllo ("Eva"), un thriller protagonizado por Luis Tosar y Mario Casas, los cuales interpretan a una pareja de hermanos que se mete en problemas con la mafia. Estreno 22 de abril.
Es un placer ver una buena película de ciencia ficción, cuyo autor aprovecha el género para reflexionar sobre el presente, y sobre todo sobre el futuro y a dónde nos dirigimos. Se ha hablado mucho de las consecuencias de la sociedad robotizada hacia la que nos encaminamos, hay veces que se hace a lo grande, con gran despliegue y películas blockbuster (véase Terminator), pero otras veces se opta por formas más sutiles, sugerentes o minimalistas, como es el caso de Ex Machina.
El guion, a cargo de Alex Garland, que también la dirige, fluye de maravilla. Nos va adentrando en la aislada mansión en la que se encuentra el multimillonario programador Nathan Bateman, interpretado por un increíble Oscar Isaac. El protagonista, Domhnall Gleeson, es el empleado elegido por su jefe (Isaac) para tener una serie de entrevistas con Ava, la robot interpretada por Alicia Vikander, y de esta forma examinar hasta qué punto ha llegado la inteligencia artificial creada por éste.
La historia no se queda atrás y los giros de guion son imprevisibles, quizás le sobre el último minuto de metraje, mediante el cual el director quiere cerrar demasiado la historia de manera innecesaria. Con todo, este film recupera la esencia de la mejor ciencia ficción. Kubrick estaría orgulloso.
Lo mejor: el guion, la atmósfera, su sutileza.
Lo peor: el último minuto de metraje, totalmente innecesario.
Un programador multimillonario selecciona a Caleb, un joven empleado de su empresa, para que pase una semana en un lugar remoto con el objetivo de que participe en un test en el que estará involucrada su última creación: un robot-mujer en el que inteligencia artificial lo es todo.
Aquí tenemos una de las películas míticas de Álex de la Iglesia, la cual fue la gran triunfadora de los Premios Goya en su año. Protagonizada por Carmen Maura, narra la historia de una agente inmobiliaria que ocupa uno de los pisos que expone para su venta en un edificio antiguo del centro de Madrid. Uno de los vecinos muere, al cual le había tocado la lotería años atrás, y todos los vecinos esperaban su momento para hacerse con dicha fortuna...
Como decimos, al final la protagonista es la que consigue hacerse con el dinero, pero le será casi imposible salir del edificio con él, con todos los vecinos tras ella, encabezados por el administrador, el gran Emilio Gutiérrez Caba.
La película aumenta en tensión sin parar, un film en el que Álex de la iglesia plantea una atmósfera asfixiante para la protagonista y que irá ganando en brutalidad, hasta acabar en la escena legendaria del tejado junto a los leones que desde el cielo presiden la gran vía de Madrid (escena con la admirada Terele Pávez).
Apuntar la grandiosa escena en que Emilio Gutiérrez Caba se enfrenta a Carmen Maura, el cual hace una interpretación magnifica que le valió el Goya a la mejor interpretación.
Podría decirse que la película es el reverso tenebroso de Aquí no hay quien viva o La que se avecina, pero en 35 mm. A disfrutarla.
Lo mejor: la escena de Emilio Gutiérrez Caba.
Lo peor: falta de solidez en el guion en algún tramo.
Julia (Carmen Maura), una mujer madura que trabaja en una agencia inmobiliaria, encuentra 300 millones escondidos en un piso. A continuación se traslada al apartamento de arriba y esconde el dinero, pero tiene que enfrentarse a la desquiciada comunidad de vecinos, encabezada por un administrador sin escrúpulos (Emilio Gutiérrez Caba), que hará todo lo posible para retenerla y quedarse con la fortuna.
Esta película bien podría estrenar una sección titulada "Películas españolas súper chulas que no triunfaron por las circunstancias de nuestro cine y que deberían de ser reivindicadas YA". Y a eso voy yo.
La noche de los girasoles cuenta la historia de un asesinato desde distintos puntos de vista, a modo de capítulos. Es cierto que esto no es algo híper original, ya que otras películas ya han optado por este tipo de narración, pero en este caso, el guion funciona como un reloj suizo, utilizando esta manera de contar la historia para dosificar la información que se le va suministrando al espectador, con el objetivo de que la tensión vaya creciendo, y que el verdadero criminal-violador no aparezca hasta el momento adecuado.
El director es Sánchez Cabezudo, el cual realizó posteriormente series como Crematorio (un hito en nuestra televisión, 1º ficción hecho por cadena privada en España, Canal Plus, y con una factura y tono que bien podrían recordar a las tan aclamadas HBO o AMC).
El cast lo componen Carmelo Gómez, tan bien como siempre (¡vuelve!), Judith Diakhate, César Bugallo (el actor gallego por excelencia), el gran Vicente Romero y Vicente Morón (qué cara más inquietante y cinematográfica).
A disfrutar de este thriller rural, lo pasaréis mal, o sea bien.
Lo mejor: Su atmósfera y tensión.
Lo peor: La sensación de que quedará en el olvido, lo cual es lamentable.
Esteban (Carmelo Gómez) y Pedro (Mariano Alameda) son dos espeleólogos que llegan a una zona montañosa para estudiar el hallazgo de una cueva y determinar si tiene interés científico. Les acompaña Gabi (Judith Diakhate), la novia de Esteban, que les espera al pie de la montaña. Pero cuando los espeleólogos están en la cueva, a Gabi se le acerca un desconocido...
Allá va una recomendación para los mas indies. Si buscas ver una película que haya triunfado en festivales de "culto" (sección oficial Sundance, Premio FIPRESCI en Cannes), este es tu film.
La película de Jeff Nichols juega al clásico juego paranoico-conspiratorio, en el que el protagonista presiente algo pero es tomado por loco por ello. Films del estilo "nadie se da cuenta de lo que ocurre pero yo sí". Aunque esto sea algo ya visto, la realidad es que la atmósfera que logra la pelicula es de una gran belleza y consigue sumergirte en el universo del film.
Quizás diría que la película es algo larga, le cuesta mucho llegar a su conclusión, se alarga innecesariamente. Aunque vale la pena por esa escena final en la que piensas que, dada su locura (buen papel de contención y explosión final de Michael Shannon) a la familia le espera el peor de los finales (he evitado el spoiler de la familia de la mamá Chastain) pero... ¿al final ocurrirá?.
P.D.: posiblemente pensarás que es una advertencia apocalíptica sobre el cambio climático (y puede que así sea).
Curtis LaForche (Michael Shannon) vive en un pequeño pueblo de Ohio con su mujer (Jessica Chastain) y su hija, una niña sorda de seis años. Un día, empieza a sufrir alucinaciones apocalípticas en forma de sueños. Sin saber si sus pesadillas son fruto de una enfermedad mental o verdaderas premoniciones, Curtis se esconde en su seguro refugio antitornados para afrontar una eventual tormenta apocalíptica.
La verdad es que parece como que Dan Gilroy ha querido con su film hace una reivindicación del séptimo arte. Visto que en los últimos años la televisión le ha ganado terreno al cine, esta película es como una revalorización de los films, y una feroz crítica a la televisión.
Nuestro protagonista es producto de un gran trabajo del actor Jake Gyllenhaal, una persona noctambula que busca trabajo, y encuentra una pasión en la grabación de sucesos para la televisión. La construcción de su personaje impresiona, lo que adelgazó para el papel, las ojeras, su calma y educación de psicópata que intranquiliza aún más…
Además de resultar esta película muy informativa y original. Creo que todavía no se había hecho nada de este tema. Al menos yo no sabía que había gente escuchando pacientemente las frecuencias de la policía a la espera de un accidente al que acudir a toda velocidad para ser los primeros en grabar los cuerpos desangrados, y así luego tener una exclusiva por la que una TV te pague, resulta súper inquietante (por algo está nominada a los Oscar al mejor guion original).
Y no os perdáis la fotografía de este film, en ocasiones hasta el propio Jake Gyllenhaal parece un Nightcrawler (en ingles, insecto que sale por las noches), a la espera de la próxima víctima…
Lo mejor: Jake Gyllenhaal, el guion.
Lo peor: Al final, aunque está bien, le falta un algo para convertirla en obra maestra.
Tras ser testigo de un accidente, Lou Bloom (Jake Gyllenhaal), un apasionado joven que no consigue encontrar trabajo, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles.
Sea como sea el resultado, o acabe como acabe resultando, cuando ves que por fin te cuentan una historia original esbozas una sonrisa de alegría, de... "por fin a alguien se le ha ocurrido algo único, algo que haga que ahora no tenga ni idea de por dónde va a salir la historia". Porque creo que en ese momento es cuando más estás realizado como espectador, cuando algún guionista te la cuela pero bien...
Y este es el caso de la película Los chicos están bien. Argumento sencillo y original: dos lesbianas (Annette Bening, Julianne Moore) deciden tener hijos, por inseminación artificial, y tienen dos (cada una es madre de uno), al cabo de los años, cuando los chicos ya son adolescentes, aparece el padre, el donante de esperma, pues los hijos quieren saber de él, lógicamente, y ello traerá consecuencias en la vida de ellos, sobre todo...
Sobre todo si ese padre, es un vividor, y además un actorazo, concretamente Mark Ruffalo, tipo que con el paso de los años se está labrando una carrera muy sólida (recordémoslo en films tan reseñables como Zodiac o Shutter Island), y de este modo la historia avanza, con la irrupción de una pieza que desmontará y revolverá el puzzle de arriba a abajo...
Lo mejor: Mark Ruffalo
Lo peor: Con el paso del metraje quizás caiga en tramas tópicas.
Nic (Annette Benning) y Jules (Julianne Moore) son una pareja de lesbianas que viven con sus dos hijos adolescentes: Joni (Mia Wasikowska) y Laser (Josh Hutcherson), ambos fruto de la inseminación artificial. Lo que obsesiona a los dos chicos es conocer a su padre biológico, un tal Paul (Mark Ruffalo), que donó su semen a una clínica cuando era joven. Recién cumplidos los 18 años, Joni se acoge al derecho de solicitar información sobre su padre y decide llamarlo. Tras la cita, la primera impresión es tan positiva, que se lo cuenta a sus madres.
Odio esta película, la odio, la odio como solo se puede amar a una obra maestra como esta. ¿Por qué odio este film que amo tanto? Muy fácil, porque SIEMPRE me pasa lo mismo con ella. Estoy haciendo zapping en mi casa y, de pronto, veo que echan Goodfellas, y me digo "ostras, me gusta esta escena, voy a verla", y cuando me quiero dar cuenta estoy viendo los títulos de crédito. Es pura droga cinéfila.
Esta película (la versión sucia de El padrino diría, cuidado como el mejor de los piropos lo digo) retrata a la perfección el estilo de Martin Scorsese. Ese rollo de la pareja mafiosa protagonista andando, cámara lenta, música de rock de los cincuenta, imagen congelada y voz en off... Orgasmo cinéfilo cortesía de Martin Scorsese.
Menuda reparto. Ray Liotta en estado de forma, en su mejor momento, en el pico de su carrera. Robert de Niro, el uno de los picos de su carrera. Joe Pesci, en la cima absoluta de su carrera (aunque ganara el Oscar por Casino). Paul Sorvino, Lorraine Branco, la famosa psicóloga de Los Soprano. Para flipar.
Disfrutar de esta locura, esta lección de cine para varias generaciones de cineastas, y tened cuidado por si os topáis con ella haciendo zapping...
Lo mejor: ¿me tengo que quedar con una cosa, en serio?
Nota: 10 sobre 10
Sinopsis
Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, vive en Brooklyn y se siente fascinado por la vida que llevan los gángsters de su barrio, donde la mayoría de los vecinos son inmigrantes. Paul Cicero, el patriarca de la familia Pauline, es el protector del barrio. A los trece años, Henry decide abandonar la escuela y entrar a formar parte de la organización mafiosa como chico de los recados; muy pronto se gana la confianza de sus jefes, gracias a lo cual irá subiendo de categoría.
Esta para mi fue la mejor película que vi en la pasada fiesta del cine. Cuando Agustín Almodóvar (el hermano de Pedro) dijo que fliparon en la productora El Deseo nada más empezar a leer las primeras páginas del guión de Damián Szifón realmente no me extrañó nada, pues esta taquillazo argentino es puro rock and roll...
La película está dividida en relatos, cuyo único nexo de unión es la ira, la ira a la que se ven abocados personas normales y "buenas" en principio pero que las circunstancias hacen que saquen su lado más animal para defender un mínimo de dignidad. El primer relato es... es... Increíble. Ahí el director te dice: "Si, esta peli mola mucho, y prepárate para lo que viene". Impactante.
Destacar la fabulosa actuación de los protagonistas. Ojo al relato de Sbaraglia con la pelea con el otro conductor, y atentos al relato de Ricardo Darín, espectacular, y que consigue el nivel máximo de empatía con el espectador (¿quién no se ha sentido atropellado por la burocracia del sistema?). Y disfruten con la novia cañera encarnada por Érica Rivas.
Por algo ganó el premio del público en San Sebastián... Disfruten y vuélvanse locos en las butacas, aquí no hay censura.
Lo mejor: Todo, la brutalidad, te coge del cuello y no te suelta.
Lo peor: Quizás un par de relatos no estén a la altura (no por deficientes, si no porque el resto son pequeñas obras maestras).
La película consta de seis episodios que alternan la intriga, la comedia y la violencia. Se inspira en los ‘Cuentos asombrosos‘ (1985-1987), serie de televisión creada y producida por Steven Spielberg. Sus personajes se verán empujados hacia el abismo y hacia el innegable placer de perder el control, cruzando la delgada línea que separa la civilización de la barbarie.
El guion de una peli imposible de rodar rulaba y rulaba por todo Hollywood sin que nadie se atreviera siquiera a abrirlo una vez se decía su sinopsis: un tío encerrado en un ataúd durante 90 minutos. ¿Pero habrían flashbacks? No. ¿Flashfowards? No. ¿Alguna ensoñación del protagonista? No, NO. 90 minutos, 90 MINUTOS todo en una caja, ESA era la historia.
Hasta que llegó un loco, un director español con solo una peli en su haber con ganas de hacer eso mismo, una locura, y decidió que sí se podía hacer. Ese loco era Rodrigo Cortés el cual, junto a otros locos y un carácter suicida, decidieron ofrecerle el guion a un actor hollywoodiense (Ryan Reynols), el cual también estaba loco, y aceptó.
La película es una pasada y contesta con contundencia a la pregunta "¿mantendrá el listón sucediendo toda la acción en una caja?", pues sí, vaya que si lo hace. En Sundance ya fliparon, así que tu no has de ser una excepción. Además, es de las pocas películas que me han hecho llorar en su final.
Después de ser secuestrado, Paul Conroy (Ryan Reynolds), contratista civil en Irak, se despierta enterrado vivo en un viejo ataúd de madera sin más armas que un teléfono móvil y un mechero. El teléfono podría ser el único medio que lo salvara de esa mortal pesadilla., pero la precariedad de la cobertura y la escasa batería parecen obstáculos insuperables en su lucha contra el tiempo: sólo dispone de 90 minutos para ser rescatado antes de que se le agote el oxígeno. Interesante film español de suspense, que fue presentado en Sundance 2010 y que levantó mucha expectación.
Ya que uno de los protas de este film ha sido noticia esta semana (en concreto Colin Farrel por su fichaje por la segunda de True Detective), hablemos de una de las pelis donde, en mi opinión, está más fino, aunque mucha gente creyera que no.
Su actuación fue criticada, al igual que la cinta entera, estas criticas en dirección a su director, el maestro Woody Allen, pero la realidad es que para mi esta película es una pasada. El guión y la seriedad con que se toma a sí mismo el film, las actuaciones estelares de Ewan McGregor y el mencionado Farrel, ese Londres turbio, más sombrío que en Match Point, hacen de ella una película que atrapa y que estoy convencido de que con el paso de los años ganará en prestigio, sin duda.
Woodynos pone otra vez entre la espada y la pared moral y éticamente hablando. Cuando tu situación ecónomica no es boyante, ¿hasta dónde serias capaz de llegar a cambio de dinero? Esto es lo que experimentan los hermanos protagonistas del film, los cuales reciben un encargo de su tío: dinero a cambio de cometer asesinato.
Para mi, Farrel está superlativo y adoro la elegancia con que trata Allen las escenas de máxima tensión (NO hace falta mostrar siempre la sangre señores), una clase a la hora de rodar la muerte que bien podría recordar los fueras de campo de La mujer pantera, porque a veces da más miedo lo que no está en plano y sí en nuestra imaginación.
Lo mejor: Disfrutad esta tragedia moderna, el Allen más serio paseando su maestría.
Lo peor: que no se la haya apreciado como merece, la sombra de Match Point es alargada.
A pesar de sus apuros económicos, Ian (Ewan McGregor) y su hermano Terry (Colin Farrell) compran un velero de segunda mano, llamado "Cassandra's Dream", para salir a navegar los fines de semana. Ian conoce a Angela (Hayley Atwell), una atractiva actriz que acaba de llegar a Londres con la esperanza de alcanzar el éxito, y se enamora de ella. La pasión por el juego de Terry pondrá a los dos hermanos en una situación muy delicada, aunque podrán salir del apuro gracias a su tío Howard (Tom Wilkinson). Pero todo tiene un precio: a cambio, Howard los obligará a infringir la ley, poniéndose así de manifiesto la catadura moral de los dos hermanos.
Una película como esta es el ejemplo de cómo está cambiando y evolucionando el cine de nuestro país. Parece que hemos ampliado nuestras miras y avanzamos más allá del género del drama social. Hoy día, hablar de cine español es hablar de un cine moderno, de género, que va a más y es por eso que en Hollywood el gentilicio "español" tiene cada vez más importancia.
Fue el director de la cinta que nos ocupa, Daniel Monzón, el que empezó a mostrar que nuestro cine iba a más como un film como Celda 211, y ahora su progresión y ambición se confirma con El niño.
El niño es una película muy recomendable que no tiene nada que envidiar a las pelis de acción de norteamérica. Analizando la historia, lo único que podemos decir es que al metraje quizás le sobre un cuarto de hora, pero por lo demás, la cinta es muy destacable, con ese nuevo descubrimiento, Jesús Castro, que solo con su presencia llena la pantalla. Y con secundarios de lujo, como Luís Tosar, Barbara Lennie, Eduard Fernández, Sergi López o el compañero de andanzas del prota, Jesús Carroza, que con su arte se convierte en un auténtico "robaescenas".
Pero el gran valor del film es poseer escenas de acción innovadoras, nuevas, algo heroico en 2014, y es las secuencias de lucha entre nuestros adorables traficantes (que luchan por pasar la droga por el Estrecho de Gibraltar) subidos en sus mega lanchas contra el helicóptero de la policía, constituyen escenas de acción impresionantes, de gran mérito, y que casi parece que te salpica el agua en la butaca aún sin ser en 3D. ¡Disfrutad!
Lo mejor: las novedosas escenas de acción lancha vs. helicóptero
Dos jóvenes, El Niño y El Compi, quieren iniciarse en el mundo del narcotráfico en el estrecho de Gibraltar. Riesgo, adrenalina y dinero al alcance de cualquiera capaz de atravesar esa distancia en una lancha cargada de hachís volando sobre las olas. Por su parte Jesús y Eva son dos agentes de Policía antidroga que llevan años tratando de demostrar que la ruta del hachís es ahora uno de los principales coladeros de la cocaína en Europa. Su objetivo es El Inglés, el hombre que mueve los hilos desde Gibraltar, su base de operaciones. La violencia creciente de las advertencias que reciben les indica que sus pasos van por buen camino. Los destinos de estos personajes a ambos lados de la ley terminan por cruzarse para descubrir que el enfrentamiento de sus respectivos mundos era más peligroso, complejo y moralmente ambiguo de lo que hubieran imaginado.
Si esta película se hubiera hecho este año, yo ya hubiera flipado con los efectos especiales, me hubiera quedado patidifuso, como cuando acabas de presenciar un increíble número de magia y miras a los lados como exigiendo que alguien aparezca y te descubra el secreto que sostiene el truco. Pero no, resulta que esta maravilla del engaño visual es de 1957, y se llama El increíble hombre menguante.
Y es que el protagonista (Grant Williams) de esta película empieza a sentir en su cuerpo un fenómeno extraño: tras pasar debajo de una densa nube cuando iba a bordo de su barco, unos meses después comienza a perder altura y peso, empieza a menguar, lo que resultará un problema en todas las áreas de su vida: la afectiva, doméstica, labora…
Hasta que su cuerpo se haga tan pequeño que su vida pase a ser una lucha por sobrevivir, y lo que antes era un encantador gato, ahora es un enemigo mortal. No os perdáis por favor al lucha final contra la araña, utilizando una aguja de coser como espada.
Con un final para mi opinión que cierra muy bien la historia, aunque no lo parezca, y que hace de ella una completa obra maestra. O más bien yo diría obra de arte, pues los hacedores de este film (dirigida por Jack Arnold) podemos considerarlos auténticos artesanos del séptimo arte. Sin ordenadores, ni 3D, ni nada, solo jugando con la perspectiva, las ópticas y los tamaños, consiguen que el protagonista mengue más y más de manera magistral… ¡Disfrutad!
Después de atravesar una nube sospechosa, Scott Carey comienza a vivir un fenómeno extraño en su cuerpo: está menguando poco a poco. De este modo, su día a día se irá convirtiendo cada vez más en una pesadilla, lo más nimio se convertirá en una auténtica lucha por sobrevivir.
