Peter Farrelly director de las ya conocidas "Dos tontos muy tontos" (1994) o "Algo pasa con Mary" (1998) entre otras, vuelve al género de comedia, pero con un tono más dramático, esta vez con 'Green Book' (2018) en el que contará con actores tan destacados como Viggo Mortensen o Mahershala Ali, ambos nominados al Oscar por mejor actor y mejor actor de reparto, respectivamente.
Este film, nominado a mejor película en los Oscar, nos sitúa en los años 60. Cuando Tony Lip, un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en "El libro verde", una guía de los pocos establecimientos seguros para los afroamericanos, para encontrar alojamiento. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida. Para quien quiera saber más sobre este filme, aquí os dejamos con el tráiler, además de informaros que este viernes, 1 de febrero, se estrenará en la gran pantalla.
'True Detective' está de vuelta y lo hará de la mano del ya conocido director Nic Pizzolatto, creador y director, también de las dos anteriores temporadas. En esta ocasión, le acompañará el ganador de un Oscar, Mahershala Ali como protagonista principal. Aunque todavía no tenemos muchos datos, lo único que podemos asegurar es que se estrenará en enero de 2019 gracias a la internacionalmente conocida HBO.
A pesar de las críticas recibidas tras la segunda temporada de la serie, parece que la productora sigue comfiando en ella, en la cual nos relatará la historia de crimen macabro ocurrido en el corazón de los Ozarks y el misterio que se extendió durante décadas y que se despliega en tres periodos de tiempo separados. Wayne Hays es el detective del noroeste de Arkansas que investiga el caso. Para los que ya tengan ganas de ver la nueva temporada, os dejamos con el teaser tráiler subtitulado.
Netflix ya ha presentado el tráiler de la que será su nueva serie; en este caso, 'Maniac', que tendrá su estreno en el 21 de septiembre de este mismo año. Sin embargo, lo interesante de esta serie no es solo la historia que nos contará, sino también los actores que la acompañan. En cuanto a los protagonistas principales, debemos hablar del dos veces nominado al Oscar, Jonah Hill o la ganadora de la estatuilla de oro Emma Stone. Además, contaremos también con la presencia de la ganadora de dos Oscar, Sally Field.
La serie estará dirigida por Cary Joji Fukunaga conocido por trabajar con Nic Pizzolatto en 'True Detective' (2014) y por dirigir la película 'Beasts of no nation' (2015), producida por Netflix. La historia relatará las aventuras de un paciente que escapa de su vida real al recrear un mundo de fantasía dentro de su mente.
El estreno de 'Tanna' (2015), el próximo viernes 28 de julio en España, tendría que destacar, solamente, por la llegada de la obra del director Bentley Dean y Martin Butler a los cines españoles, pero lejos de esto -y sin que se centren los focos en otros aspectos- 'Tanna' llega con un severo retraso. Estrenada en 2015 en el resto del mundo, 'Tanna' de producción australiana fue nominada a los Oscar a 'Mejor película de habla no inglesa'.
Dirigida conjuntamente por los directores Dean y Butler, 'Tanna' representa el debut cinematográfico de los dos. Una opera prima que se paseo por la alfombra roja de los Oscar, narrando romance dramático y a la vez verídico de dos jóvenes: una indígena que se enamora del nieto del jefe de la tribu del poblado de Tanna, en la República de Banatu (Polinesia). Un amor prohibido, protagonizada por los propios miembros de la comunidad, que algunos críticos catalogaron como "Un encantador relato de la vida real de los problemas en el paraíso" (David Rooney: Hollywood Reporter)
La nueva cinta de Kenneth Lonergan, estrenada unos meses atrás, consiguió ganarse un merecido hueco entre las grandes apuestas, a pesar de tener un ineludible corte de película independiente. El tercer largometraje del director catapultó su nombre a las más altas esferas hollywoodienses, pues sus dos anteriores trabajos, a pesar de contar con nombres de peso en su reparto, pasaron sin pena ni gloria, cosechando críticas dispares y sin llegar a calar en el público.
Con ‘Manchester frente al mar’ Lonergan apostó fuertemente, e indudablemente ganó. El filme nos trae a primer plano a un Casey Affleck que realiza la mejor actuación de su carrera. Bien es sabido que es, de largo, mejor actor que su hermano, quien funciona mucho mejor detrás de las cámaras, pero por si quedaba alguna duda, la estatuilla que le mereció este papel las despejó completamente.
Esta es una historia profundamente dramática, una tragedia moderna revestida de los marítimos tonos azulados que serán el panorama de fondo de la trama. El potente tráiler, en el que se incrustaban todas las críticas triunfales de la prensa para dar mayor veracidad del contenido, ambientado con el tema de Matthey Perryman Jones, Land of the living, ya nos acercaba a la realidad de la que después podríamos ser testigos en la sala. Bien es cierto que hubo un importante cambio: la canción, y el acertado montaje, daban a entender que la cinta gozaría de cierta espectacularidad emocional que nos llegaría a través del audiovisual; cuando visionamos la película esto cambia, pues vemos sobriedad, normalización en cada una de las acciones y sucesos y esto, lejos de ser una contrariedad, se erige como un acierto.
El director parece rehuir la mencionada espectacularidad; no hay exageraciones teatrales, no hay una épica banda sonora de fondo realzando el dramatismo de lo que se nos cuenta, no. Lo que vemos es tan cotidiano, tan exento de edulcoración, que resulta de un dramatismo abrumador y exorbitante. Esta realidad exhibida sin filtro alguno es la que nos llega y nos golpea sin que apenas nos percatemos. Escenas que exudan una desgarradora crudeza, una violencia trágica y unas emociones que nos harán sentir en la piel del protagonista, algo que nadie, en su sano juicio, desearía experimentar jamás.
La historia parece querer narrarnos cómo Lee Chandler (Casey Affleck), deberá hacerse cargo de la tutela de su sobrino tras el repentino fallecimiento de su hermano. Una trama que nos acerca la adaptación, la superación y la compenetración entre el joven y su tío, ahora tutor legal. Ambos personajes parecen esconder sus sentimientos, rehuyendo el exhibirlos ante el otro, normalizando una situación que, evidentemente, les estará carcomiendo por dentro. La única duda que nos queda, más en referencia a Lee que con para su sobrino, es qué rondará en la mente de este frío e ido personaje.
Para seguir comentando los aspectos de la trama, advertir previamente que el presente párrafo contiene importantes spoilers. Dicho esto, el espectador se percata, avanzada la cinta, de que aquello de lo que realmente trata la película se nos está dando, gota a gota, en forma de historia encubierta, que sale a relucir en el momento oportuno. Sabemos que Lee mantuvo una relación amorosa que ya murió, pero lo que se nos estaba ocultando es que la pareja se disolvió a raíz de un terrible suceso: a causa de un error de Lee, se provocó un incendio en su hogar que se cobró la vida de sus tres hijos. De esto trata realmente la película, de cómo superar un golpe tan tremendo, de cómo un ser humano queda completamente vacío, prácticamente incapaz de experimentar en adelante sentimiento o emoción alguna que no estén impregnados de dolor y sufrimiento. Una vida que se apaga, que pierde los colores que la hicieron brillar, una existencia que carece razón de ser. Una historia de pérdida, de superación, narrada a través de dos historias, pero cuyo mayor y abismal peso radica en esta segunda, en la que cambió a Lee para siempre.
Todo un lujo de interpretaciones por parte de un reparto (que completan, principalmente, Michelle Williams, Kyle Chandler y Lucas Hedges) que, más que cumplir sobradamente, consigue brillar en esta cinta en la que, como comentábamos, se le extirparon todos los tintes de espectacularidad para dejar, como resultado, una realidad tal cual podría ser vivida por cada uno de los espectadores, otorgándole ese estilo de película independiente que, ni aun así, pudo evitar ser un éxito de la crítica y adentrarse en los Oscar para dejar una profunda huella, alzándose, además de con la estatuilla a mejor actor de reparto, con la de mejor guión original. Una cinta que han tildado de obra maestra y que, en varios aspectos, bien podría serlo.
Valoración: 9 / 10
Lo mejor: el guión, las interpretaciones, el desarrollo de la trama y el estilo empleado.
Lo peor: prácticamente nada. Por decir algo, que no haya mayor fuerza en algunas escenas.
Lee Chandler (Casey Affleck) es un solitario encargado de mantenimiento de edificios de Boston que se ve obligado a regresar a su pequeño pueblo natal tras enterarse de que su hermano Joe ha fallecido. Allí se encuentra con su sobrino de 16 años, del que tendrá que hacerse cargo. De pronto, Lee se verá obligado a enfrentarse a un pasado trágico que le llevó a separarse de su esposa Randi (Michelle Williams) y de la comunidad en la que nació y creció.
El bullying es un problema que toda la sociedad sabe que existe, sin embargo, la mayoría de la gente, en lugar de denunciarlo, le da la espalda a ese problema o, simplemente, se acostumbra a que eso ocurra sin darse cuenta de las consecuencias que esto pueda llegar a tener. No obstante, 'Por trece razones', es una serie que muestra este problema de la forma más cruda y real posible, sobre cómo el suicidio de una adolescente de 17 años puede poner fin a su vida por causas que podrían haberse evitado o, al menos, solucionado si se hubiera actuado a tiempo.
No obstante, esta serie no podría haberse realizado sin la ayuda de, como ya conocemos, Netflix, pero tampoco sin la de Selena Gómez, conocida sobre todo por sus actuaciones ya sea como actriz o como cantante que, esta vez, ha querido formar parte de la producción de estos trece capítulos que, según declaraciones de ella y de su creador, Brian Yorkey, dejan la puerta abierta a una segunda temporada. Lo que Selena sí ha dejado claro es que, de pequeña, ella también sufrió acoso, lo que esto supone para ella algo más que una producción de ficción. También hay que remarcar que Tom McCarthy, ganador del Oscar por 'Spotlight' (2015) ha participado en la producción de esta serie.
La serie está protagonizada, principalmente, por Katherine Langford (que interpreta a Hannah Baker) y Dylan Minnette, en el papel de Clay Jensen. Para adentrarnos un poco más en la serie, esta trata sobre una chica (Hannah) que, tras sufrir diferentes tipos de acoso, decide quitarse la vida, sin embargo, antes de ello, se graba en diferentes cintas explicando los motivos que le condujeron a ello; cabe destacar que cada motivo se refiere a una persona conocida y que todos recibirán las cintas y las escucharán.
Había mucha expectación sobre esta serie debido a la carencia de las mismas que hacen referencia a este tema, además, tener a Netflix detrás como productora, siempre es un plus y es garantía, casi siempre, de éxito. Como era de esperar, ha tenido un gran apoyo del público y de la crítica en general. A continuación, intentaremos dar a conocer algunos de los aspectos que nos han parecido poco acertados. Primero de todo, hay que decir que la serie está basada en el libro de Jay Asher con el mismo nombre; en segundo lugar, ya haciendo referencia a la serie, hay que destacar las situaciones, a veces forzadas, que llevan al hundimiento de la protagonista así como la vida de sus compañeros de no verse afectados a pesar de saber que su vida pueda dar un vuelco de 360º si las grabaciones salen a la luz.
Como podemos comprobar, pocas cosas han fallado en la serie, pero hay que hacer hincapié, sobre todo, en los aciertos, porque, no solo las actuaciones de los protagonistas son notables, sino que, el tratamiento de un tema tan delicado como es el bullying ha sido llevado a cabo de una manera extremadamente real, es decir, vemos como, con cada capítulo, nuestra protagonista va viniéndose abajo hasta acabar con el fatídico resultado que todos conocemos y que, por desgracia, no solo ocurre en la ficción. Nos muestra un problema que realmente ocurre en la sociedad pero que muy poca gente se atreve a hablar de ello; lo interesante de su creador es que no esconde el dolor que sufre mostrándolo de la forma más real posible, así como las situaciones que le ocurren pero de una manera que no llega a ser desagradable, sino que, al contrario, sirven para acercarnos más al problema y concienciarnos sobre lo que está pasando en la actualidad con gran cantidad de jóvenes que no tienen el valor para hacerle frente o no reciben ayuda cuando la necesitan.
Por último, hay que decir a la gente que ha comenzado a verla, que si el primer capítulo les ha dejado con ganas de más, les recomendamos que sigan adelante hasta el final porque poco a poco la intensidad se irá palpando cada vez más hasta llegar al último capítulo en el que no querrás ni siquiera parpadear. Un último capítulo que deja incógnitas por resolver pero que ha dejado un claro mensaje, los malos actos en la vida pueden provocar consecuencias terribles.
El adolescente Clay Jensen (Dylan Minnette) vuelve un día a casa después del colegio y encuentra una misteriosa caja con su nombre. Dentro descubre una cinta grabada por Hannah Baker (Katherine Langford), una compañera de clase por la que siente algo especial y que se suicidó tan solo dos semanas atrás. En la cinta, Hannah cuenta que hay trece razones por las que ha decidido quitarse la vida. ¿Será Clay una de ellas? Si lo escucha, tendrá oportunidad de conocer cada motivo de su lista.
Dennis Villeneuve siempre ha sido un director diferente, que ha querido marcar la diferencia. Recuerda un poco a Lars Von Trier, sobre todo en sus primeras obras, pero sin salirse tanto de las convenciones y sin tanto experimentalismo. Pero a partir de 'Incendies' (2010) ya se veía que Villeneuve llegaría alto. Se siguió superando con 'Prisioneros' (2013), 'Enemy' (2013), 'Sicario' (2015) y lo acaba de demostrar con 'La Llegada', una excelente película, que se ha visto un poco eclipsada por otras películas con gran éxito como 'La La Land' (2016), 'Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos' (2016) o 'Moonlight' (2016). Pero a pesar de todo esto, 'La Llegada' es uno de los mejores estrenos de este año y probablemente sea un referente en la filmografía de Villeneuve (Hay que recordar que es el director de la nueva película de 'Blade Runner').
A pesar de que se trate de una de las mejores películas del 2016, los films de Villeneuve se caracterizan por que les cuesta coger ritmo, y los comienzos son lentos, aunque luego vayan creciendo hasta llegar al máximo exponente. Y a pesar de que el guión procede del relato 'Story of Your Life' de Ted Chiang, la forma de adaptarlo es única.
Por otro lado, los actores, que tan importante es la calidad de los mismos, como del director que los guía, y en esta ocasión la sinergia entre Villeneuve, Jeremy Renner (Ian Donnelly) y Amy Adams (Louise Banks) crea un resultado excelente (sin menospreciar a Forest Whitaker, que tiene menos presencia), en el que destaca sobre todo el trabajo Adams como una experta lingüista. Y el trabajo dio sus resultados, siendo nominados Villeneuve y Adams para distintos premios, en sus respectivas categorías.
Pero el gran éxito del film fue en los Oscar, donde obtuvo el premio a mejor edición de sonido,(también recibió un premio Bafta al mejor sonido). Y qué mejor criterio que el de los expertos para hablar al respecto, de forma que lo único que podemos hacer es explicar que los premios son merecidos, porque si bien es cierto que el sonido es como el hermano pequeño en el cine, es ese gran olvidado, que si sale bien nadie se da cuenta, pero si sale mal todos lo critican, pues en este caso hace acto de presencia, pero para bien, y eso es lo que le ha valido los premios.
Y a pesar de no recibir muchas nominaciones, los efectos visuales no se quedan atrás, y en una película de estas características son especialmente importantes, y son sencillamente geniales. Sobre todo a la hora de recrear las naves y los heptápodos.
Sinceramente, la película me dejó con la sensación de que no tiene un punto flojo ni un punto fuerte, es todo un conjunto, y es excelente, tampoco hay una parte especial para recordar, ya que todo está en ese ambiente de tensión que tanto gusta a Villeneuve. Y después de verla, nos deja con varios pensamientos (quizás algo filosóficos) rondando por la cabeza.
Lo mejor: Todo
Lo peor: El comienzo, si fuera por nombrar algo que se queda fuera del resto de la película.
Nota: 9,5
Daniel Burruezo
Trailer:
Sinopsis:
Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares piden ayuda a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre...
Cuando nos preguntan por alguna película de los Studio Ghibli, siempre pensamos en films como 'Mi vecino Totoro' (1988)' o 'La princesa Mononoke' (1997)'. Todas estas siguen la misma estética en cuanto a dibujo o atmósfera por eso es fácil detectar cuándo una película está realizada por este famoso estudio...aunque en el caso de 'La tortuga roja' es diferente.
El francés Michaël Dudok de Wit ha sido el encargado de dirigir esta coproducción franco-japonesa, después de que Miyazaki se quedara fascinado con el cortometraje, 'Padre e Hija' (2000) que años atrás dirigió de Wit.
Como no es de esperar, estamos ante un film mudo que bebe directamente de influencias ilustrativas como Hergé (autor de Tintin) utilizando un trazo llamado ligne claire.
Es difícil llegar a un punto común en cuanto a los significados que transmite la película, puesto que durante todo el film, la belleza, fantasía y metáforas están presentes.
Por un lado podemos decir que la película en sí, es un canto a la naturaleza. Podemos entender, por los sucesos que ocurren, que para que exista un bienestar en la sociedad, la conexión humanos - animales tiene que ser mutua.
Por otro lado, está muy presente el crecimiento personal y la importancia de la familia. Vemos una evolución generacional en los personajes, que, puesto que viven en una isla, sabiendo lo que hay más allá, se tendrán que enfrentar a estas explicaciones hacia su hijo.
Dejando de lado lo que nos puede transmitir a cada uno, lo que es cierto al 100% es la belleza visiual que tiene este film. Sin decirse ni una palabra, podemos llegar a estar totalmente inmersos en esa escondida isla. El agua, la arena, los cangrejos...todo tiene una gran preciosidad visual.
Y por último, y no menos importante la BSO, el otro pilar fundamental de esta película. Está compuesta por Laurent Perez del Mar y es parte fundamental del film.
En definitiva, estamos ante una de las candidatas al Oscar a mejor película de animación de 2017 algo que está totalmente justificado puesto que estamos ante una película diferente y preciosa.
Historia muda sobre un náufrago en una isla tropical desierta, poblada de tortugas, cangrejos y otras especies. En esta isla veremos la evolución y el paso del tiempo de tres personajes unidos por unos lazos muy fuertes.
El director Juho Kuosmanen se presenta ante el circuito cinematográfico con un film que sacude el saco de películas de boxeo: una historia de amor y de éxito que profundiza en los deseos humanos. Gravada en 16 mm y en blanco en negro 'El día más feliz en la vida de Olli Mäki' obtuvo en el Festival de Cannes el 'Un certain Regard', el Premio FIPRESCI y el de Mejor Opera Prima del Festival REC de Tarragona. Más alla de los premios, la obra de Kuosmanen 'El día más feliz en la vida de Olli Mäki' se encuentra entre las favoritas para ganar el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa.
Durante el verano de 1962, el boxeador Olli Mäki aspira el título mundial de peso pluma de boxeo. Apoyado por toda la gente que le rodea, Olli Mäki se encuentra centrado en el combate y en perder peso, hasta que se enamora de Raija. Una historia real sobre que es el éxito y la felicidad para cada uno de nosotros.
Tras proyectarse en los grandes festivales, el éxito de 'Mustang' se consagró en los certámenes más importantes. La película francesa, dirigida por Deniz Gamze Ergüven, se estrena en los cines de España el día 11 de marzo.
La obra de Gamze Ergüven -galardonada con la estatuilla en los principales festivales europeos y nominada a mejor película de habla no inglesa en los Oscar y Globos de Oro- narra la historia de cinco hermanas huérfanas, en una Turquía represiva para la mujer. El tío y el abuelo, que encarnan los valores tradicionales de la sociedad turca, obligaran a casarlas por decreto tras los actos inmorales cometidos por las jóvenes.
¿Qué pasaría si, durante un viaje en avión, ocurre un accidente en el que milagrosamente se consigue salvar a una gran cantidad de vidas? En un principio, todo parece indicar que el piloto es todo en héroe y será condecorado por tan valiosa hazaña, sin embargo, lo que no esperaban es que, tras un análisis, este diera positivo en alcoholemia así como en consumo de cocaína.
Pues de esto trata "El vuelo", una película de Robert Zemeckis en el cual consigue combinar el drama con ligeros toques de comedia dotando a la película de una gran trama en el cuál podemos ver la evolución que, poco a poco, va sufriendo el personaje con sus diferentes altibajos y con un final que, por desgracia, muchos sabemos cómo acaba antes incluso de la primera media hora.
El director hizo un excelente trabajo a la hora de crear a Whip Whitaker, interpretado perfectamente por Denzel Washington, lo que le llevó a estar nominado al Oscar por mejor actuación, así como a los Globos de Oro a mejor actor de drama. Vemos cómo va haciendo notables cambios emocionales, desde la serenidad absoluta hasta alteración que casi le lleva a pegarse con su hijo.
No obstante, no debemos olvidar a un personaje fundamental en esta historia, Harling Mays, interpretado por el ya conocido actor John Goodman; qué mejor que él para dar el toque de comedia a todo este mundo de drama y de tensión al que está sometido nuestro protagonista y del cuál dependerá al final de la película.
Gracias a este film se nos presenta una disyuntiva en la cual no sabemos cuál es la respuesta correcta y qué hubiera pasado si otro hubiera pilotado el avión. Cierto es que esa heroicidad lo harían muy pocos y, como dicen en el film, tras hacer una prueba en un simulador con 10 pilotos experimentados, nadie de ellos pudo salvar a ningún pasajero. Por ello, el asunto es, felicitarlo por salvar a tanta gente o, por el contrario, condenarlo por el hecho de ir ebrio mientras pilotaba.
En conclusión, no podemos hablar de obra maestra pero sí de un gran trabajo de dirección que ha conseguido hacer de este film, una historia para reflexionar sobre la ética, sobra las buenas y malas acciones que cometemos y cómo estas nos pueden perjudicar en el futuro por el devenir de los hechos.
Tras un aterrizaje de emergencia en medio del campo gracias al cual salvan la vida un centenar de pasajeros, el comandante Whip Whitaker (Denzel Washington), que pilotaba el avión, es considerado un héroe nacional. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas de la avería, se averigua que el capitán tenía exceso de alcohol en la sangre.
Os mostramos el tráiler de "El maestro del agua", película dirigida y protagonizada por Russell Crowe, será el debut del actor como director, donde le acompaña el reparto de Olga Kurylenko, Yilmaz Erdogan, Cem Yilmaz, Jai Courtney, Jacqueline McKenzie, Michael Dorman y Dylan Georgiades entre otros.
El guión corre a cargo de Andrew Knight y Andrew Anastasios, y el director de fotografía será Andrew Lesnie, responsable de las sagas de los libros de Tolkien y ganador de un Oscar.
"El maestro del agua" es una aventura épica ambientada cuatro años después de la devastadores batalla de Gallipoli, en Turquía, durante la Primera Guerra Mundial. El granjero australiano Connor (Russell Crowe) viaja a Estambul para descubrir qué ha pasado con sus hijos, declarados desaparecidos en combate, al tiempo que forja una relación con una hermosa mujer turca (Olga Kurylenko), propietaria del hotel en el que se hospeda. Aferrado a la esperanza y con ayuda de un oficial turco, Connor se embarca en un viaje a través del país para descubrir la verdad acerca del destino de sus hijos.
Se estrenará el 8 de mayo de 2015 en España. Os dejamos con el tráiler.
Odio esta película, la odio, la odio como solo se puede amar a una obra maestra como esta. ¿Por qué odio este film que amo tanto? Muy fácil, porque SIEMPRE me pasa lo mismo con ella. Estoy haciendo zapping en mi casa y, de pronto, veo que echan Goodfellas, y me digo "ostras, me gusta esta escena, voy a verla", y cuando me quiero dar cuenta estoy viendo los títulos de crédito. Es pura droga cinéfila.
Esta película (la versión sucia de El padrino diría, cuidado como el mejor de los piropos lo digo) retrata a la perfección el estilo de Martin Scorsese. Ese rollo de la pareja mafiosa protagonista andando, cámara lenta, música de rock de los cincuenta, imagen congelada y voz en off... Orgasmo cinéfilo cortesía de Martin Scorsese.
Menuda reparto. Ray Liotta en estado de forma, en su mejor momento, en el pico de su carrera. Robert de Niro, el uno de los picos de su carrera. Joe Pesci, en la cima absoluta de su carrera (aunque ganara el Oscar por Casino). Paul Sorvino, Lorraine Branco, la famosa psicóloga de Los Soprano. Para flipar.
Disfrutar de esta locura, esta lección de cine para varias generaciones de cineastas, y tened cuidado por si os topáis con ella haciendo zapping...
Lo mejor: ¿me tengo que quedar con una cosa, en serio?
Nota: 10 sobre 10
Sinopsis
Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, vive en Brooklyn y se siente fascinado por la vida que llevan los gángsters de su barrio, donde la mayoría de los vecinos son inmigrantes. Paul Cicero, el patriarca de la familia Pauline, es el protector del barrio. A los trece años, Henry decide abandonar la escuela y entrar a formar parte de la organización mafiosa como chico de los recados; muy pronto se gana la confianza de sus jefes, gracias a lo cual irá subiendo de categoría.
En un futuro no muy lejano, Theodore Twombly (Joaquin Phoenix) es un hombre hundido y sin esperanzas que encuentra en un sistema operativo la razón para seguir adelante. Atrevida y arriesgada apuesta de Spike Jonze que le valió el Óscar al Mejor Guión Original y que deja a Joaquin Phoenix una vez más a las puertas del galardón.
Un film que da un nuevo sentido al género de la ciencia-ficción. A primera vista el argumento trae a la memoria títulos tales como "Inteligencia Artificial" pero allí donde aquélla decepcionó, esta película cumple o incluso mejora las expectativas creadas en torno a ella. La trama se desarrolla con muy pocos personajes recayendo de manera absoluta todo el peso sobre los hombros del díscolo e incomprendido Phoenix. La cinta, pese a basarse superficialmente en un terreno en el que parecía no quedar nada por descubrir en la relación "hombre-máquina" ahonda en lo profundo que pueden llegar a ser las emociones humanas. Sobrevolando el hecho, inquietante en mi opinión de lo que pudiese ocurrir cuando la ciencia robótica en su auge sea una realidad, encontramos una película masiva, perturbadora y en ocasiones asfixiante. Imposible no recordar al HAL de "2001:una odisea en el espacio" por momentos en la relación entre Theodore y Samantha. Los secundarios ni brillan ni oscurecen la obra. Amy Adams y el resto de ellos componen el puzzle en el que se desarrolla la vida del personaje interpretado por Phoenix. Ni más ni menos. Un Joaquin Phoenix realmente descomunal que consigue meterte en su piel desde el primer minuto y que de nuevo me hace preguntarme cómo un actor de tal calibre no ha dejado su huella en Hollywood. Un actor que desde que deslumbró con su papel de villano en "Gladiator" (en opinión de no pocos, más aún que su compañero de reparto y ganador de dos premios de la academia, Russell Crowe) fue para muchos la promesa de alguien que haría historia en el mundo del cine. Hasta hoy, catorce años después, Joaquin Phoenix goza de muy pocas películas de renombre y de menos aún con papeles para demostrar su inmenso potencial. Algo para lo que necesita muy poco. Hasta hoy, como digo, varios de sus papeles interpretados parecen una broma de mal gusto en comparación con su talento (véase su personaje en "señales"). ¿Qué tendrá para que los grandes directores de Hollywood ni siquiera se le acerquen? Tal vez se deba a su carácter díscolo, excéntrico o como se quiera llamar. Muchos claman (y no sin razón): ¿cuándo un Óscar para DiCaprio?. Hoy yo pregunto: ¿cuándo un Óscar para Phoenix?
Lo mejor: Joaquin Phoenix. Lo peor: Escaso acompañamiento de los secundarios.
Jorge Delmonte Tráiler
Canto a la vida
el que nos propone Hayao Miyazaki en la que será su última película como
director. Para quien no lo conozca, es conocido por obras tan famosas comoLa princesa Mononoke o El
viaje de Chihiro. No obstante, esta obra no es de lo mejor que ha realizado
en su vida como director, a pesar de que no deja de ser una gran obra nominada
incluso a los Oscar a mejor película de animación.
Visto en la red
"Sin poseer la lírica desatada y cautiva de sus mejores trabajos, la película se ofrece sin embargo como un perfecto, agónico y doloroso resumen de, quizá, una vida entera entregada a hacer desaparecer la pantalla de los cines; a empapar la realidad con el veneno del deseo."
"Quizá sea la más contenida y antiespectacular de las películas [de Miyazaki] (...) El director logra hacer palpable lo invisible (...) un hondo melodrama de la resignación"
"Un testamento en el que uno echa en falta un corazón dramático menos confuso (...) Miyazaki no se atreve a preservar el recuerdo de la destrucción colectiva y lo disuelve en el dolor personal [del protagonista]”
"Es una película monumental y deslumbrante (...) Bella y escrita con mimo (...) regala una inolvidable historia de amor”
"El maestro Miyazaki se despide del cine por todo lo alto”
Personajes
Este
film nos introduce en una atmósfera onírica, en el cual nuestro personaje,JiroHorikoshi, sueña con ser
ingeniero aeronáutico y no va a haber nada que se lo impida. Mientras duerme,
se encuentra soñando junto aCaproni,
un ingeniero aeronáutico muy conocido que le anima a cumplir sus metas, a no rendirse
nunca y a luchar por lo que más desea.
La
película está llena de altibajos; tiene momentos magistrales como es el caso en
el que están en el tren y se produce un terremoto, pero también hay momentos
que cabría obviar como es la relación con la que será su esposa. Este debate
interno entre su pasión por el trabajo y el amor haciaNahokoSatomiserá el que haga casi imposible que
estén uno al lado del otro.
Guion
En
cuanto al guion, pocas quejas podemos encontrar. Hay momentos en los que no
hace falta hablar, el simple hecho de que se nos muestren las imágenes en
pantalla son más que suficientes para poder adentrarnos en la aventura de Jiro.
Además, no hay conversaciones que no sean importantes, es decir, son diálogos
necesarios para darle continuidad a la historia y no para explicarnos algo que
ya se sobreentiende (algo que el espectador siempre agradece).
Sonido
Haciendo
referencia al sonido, podemos decir que tiene una gran fuerza en la película;
su banda sonora es fácilmente reconocible en los momentos más determinantes del
film. No obstante, está muy bien trabajado en las ocasiones donde, a pesar de
no afectar, psicológicamente, tanto al personaje, son esos momentos donde
sobran las palabras y ya la música crea la atmósfera que nos invade y que hace
que casi pertenezcamos al propio film.
Conclusión
En conclusión,
esta última obra de Miyazaki nos regala una unión entre el mundo real y el
mundo onírico que nos puede hacer reflexionar sobre la búsqueda por cumplir los
sueños, sobre la vida y la muerte. Este largometraje, a pesar de no ser la
mejor de toda su colección, deja a la animación japonesa, al igual que los
aviones de Jiro, en lo más alto.
Dicen que las
palabras se las lleva el viento y, en ocasiones, esta obra me ha dejado sin
palabras.
Daniel Descalzo
Sinopsis
Jiro, que sueña con volar y diseñar hermosos aviones,
se inspira en el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Corto de vista
desde niño y por ello incapaz de volar, se une a la división aeronáutica de una
compañía de ingeniería en 1927. Su genio pronto es reconocido y se convierte en
uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos. Film biográfico que
recrea hechos históricos que marcaron su vida, como el terremoto de Kanto de
1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en
la Segunda Guerra Mundial.
Una imagen dice mil palabras, mil imágenes pueden contar la historia de la humanidad desde sus orígenes...
Paisajes que parecen de otro planeta, criaturas mitológicas, auroras boreales, dinosaurios y magnificas imágenes de lo que fue la tierra y sus transformaciones. Pero, ¿como esta todo eso relacionado con esa historia de la familia que se va desarrollando simultáneamente?
No se necesitan diálogos para contar una historia, eso nos lo deja claroTerrence Malick en esta película, diálogos muy escasos y voces en off de los personajes que narran sus sueños, miedos recuerdos, etc. es algo que me gusta llamar ''poesía visual''
Planos increíbles, fotografía nominada al Oscar en el 2011, a cargo del reciente ganador del mismo galardón Emmanuel Lubezki, con ''Gravity'' y nominado antes con películas como ''Hijos de los hombres'' y ''The New World''. Trabajo simplemente sensacional del ''Chivo'' en esta película.
Pero regresando a la pregunta anterior... Quizás sea un punto de vista demasiado personal, seguramente habrán personas que estén en desacuerdo, pero para mi el trasfondo de esta historia es simple, tan simple como la vida misma.
Bella, tierna, hospitalaria, acostumbrada a dar y dar, ingenua... el papel de la madre en esta película desde mi punto de vista personal representa a la madre tierra o la madre naturaleza, ''ser que da vida''.
Estricto, rígido, ser que da y quita, es el papel del padre que interpreta Brad Pitt en esta película y que desde mi punto de vista representa al ''ser superior'', esa figura poderosa que brinda amor y protección, pero que también castiga sin compasión.
Una película para disfrutar, abrir la mente y dejarse sorprender. No voy a decir mas porque parecerá que estoy siendo imparcial ya que es una de mis películas favoritas, así que dejo el trailer por aquí de esta nominada a tres premios Oscar y ganadora de la Palma de Oro en Cannes por si aun no la has visto.
-Ar
Sinopsis
Estados Unidos, años 50. Jack (Hunter McCracken) es un niño que vive con sus hermanos y sus padres. Mientras que su madre (Jessica Chastain) encarna el amor y la ternura, su padre (Brad Pitt) representa la severidad, pues la cree necesaria para enseñarle al niño a enfrentarse a un mundo hostil. Ese proceso de formación se extiende desde la niñez hasta la edad adulta. Es entonces cuando Jack (Sean Penn) evoca los momentos trascendentes de su infancia y trata de comprender qué influencia tuvieron sobre él y hasta qué punto determinaron su vida. Tráiler
