Trailer de 'Patti Cake$' la comedia de Sundance

El próximo 27 de octubre llega a la cartelera española la ópera prima del director Geremy Jasper: 'Patti Cake$'. Una comedia con el sello de Sundance, ya que fue nominada al Gran Premio del Jurado del mayor festival de cine independiente.

Jasper propone como debut cinematográico la historia de Patricia Dombrowski, conocida como Patti Cake$, una rapera novata que intentará lograr su sueño e irrumpir en un difícil mundo como es el musical y en especial el del rap. Originaria de Jersey, Patti Cake$ verá cómo su ciudad le influye más de lo que esperaba, tanto para la bueno y lo malo, en su camino hacia ser una estrella del hip-hop. 

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Crítica de 'A 47 metros': una idea regular bien ejecutada

Sin las pretensiones de 'Tiburón' (1975) de Steven Spielberg, el director Johannes Roberts plantea con 'A 47 metros' un film que recupera la esencia de tensión, intriga, supervivencia en el mar e incluso un poco de terror en este subgénero del cine, que encuentra en el verano su estación ideal para morder los estrenos cinematográficos. Con una idea simple: dos hermanas de vacaciones en México se apuntan a bañarse entre tiburones blancos dentro de una jaula, pero una catastrófica serie de importunas casualidades hacen que se rompa la cadena que las tiene sujetas y caigan al fondo marino con poco oxigeno y muchos tiburones. ¿Esperar a una posible ayuda o salir de la jaula exponiéndose a los tiburones y sin parar para hacer la descompresión?

Con un argumento nada retorcido sino muy sencillo, Roberts consigue desarrollar un producto que atrapa y mejora los últimos antecedentes del género: 'Marea letal' (2012) de John Stockwell y 'Infierno azul' (2016) de Jaume Collet-Serra. Y no es precisamente que Roberts sea un genio, sino un pragmático que exprime -utiliza sería quedarse corto- los (pocos) recursos de los que dispone y acierta en la toma de las decisiones a la hora de narrar la historia, porque parte de una idea simple que ejecuta por encima de las posibilidades del guión. Pudiendo relatar los sucesos desde diferentes puntos de vista -dentro del agua y fuera del agua- Roberts decide mostrar al espectador solo lo que acontece a las protagonistas. Una decisión que no hace más que incrementar el nervio de la película, facilitando que avance sin dificultades a lo largo de las dos horas, que ocupan la lucha para sobrevivir debajo del agua. Se mantiene con esta estrategia la rigidez en el espectador incluso ante planos que invitan a la calma.

Porque en 'A 47 metros' se aprecia cómo el director saber jugar con las cartas de las que dispone, no abusa en exceso de mostrar tiburones sino que encuentra otros recursos para administrar e incrementar el nervio y la tensión con la que se desarrolla la acción a partir del momento clave, cuando caen al fondo del mar . Porque más allá de los tiburones, que acentúan el contexto de tensión, la limitación de oxígeno disponible junto con otros imprevistos enriquecen los recursos con los que inquietar al espectador.  Una profundidad oscura que invisibiliza el paisaje desolador (no solamente por la multitud de tiburones hambrientos sino también por la pobreza del fondo marino) que incrementa el clímax, como también los impedimentos a la hora de comunicarse por radio a tanta profundidad. Otro elemento a aplaudir y que la engrandece, ante sus ultimas predecesoras, es el realismo tecnológico de los escualos. Esa mezcla de recursos se plasma en el final, convirtiéndose en una decisión arriesgada que sale bien, muy bien.

Sin oportunidad alguna de asemejarse a 'Tiburon' de Spielberg, no es su intención y sería injusto: 'A 47 metros' se desarrolla más que correctamente, cumpliendo con sus objetivos y satisfaciendo al espectador. Tanto es así que para el 2019 ya hay prevista una secuela, con el mismo director, 'A 48 metros'. Parece que Johannes Roberts ya ha empezado haciendo un esfuerzo de superación con incluir un metro más de profundidad. 

Lo mejor: cumple con lo que se espera de la película

Lo peor: la simplicidad del guión

Nota: 6/10 

Pablo Rubio 

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Mejor que: 'Infierno azul'  (2016) de Jaume Collet-Serra

Peor que: 'Tiburón' (1975) de Steven Spielberg

Trailer de 'La suerte de los Logan' de Steven Soderbergh

El director de cine Steven Soderbergh, autor de 'Ocean's Eleven' (2001) o 'Magic Mike' (2012) entre otras presenta el próximo 12 de octubre, en los cines de España, su nueva película: 'La suerte de los Logan'. Un film que combina la comedia con robos y atracos protagonizado por un amplio abanico de estrellas de Hollywood.

Y es que Soderbergh se rodea de actores como Channing Tatum -'Infiltrados en classe' (2012), 'Asalto al poder' (2013)-, Katie Holmes -'Batman Begins' (2005), 'Tres mujeres y un plan' (2008)-, Daniel Craig -que además de ser el actual James Bond ha protagonizado otros films como 'Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres'- o la oscarizada Hilary Swank -gano la estatuilla con 'Million Dollar Baby' (2004), antes protagonizó 'Insomnio' (2002)- para formar 'La suerte de los Logan' En ella, el director profundiza en la comedia para narrar la historia de tres hermanos que intentarán superar la maldición familiar cometiendo un atraco en Carolina del Norte durante el día de carreras de coches. 

Esta es la segunda vez que el director Steven Soderbergh y el actor Channing Tatum repiten en una película: coincidieron por primera vez en 'Magic Mike'. 

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Pablo Rubio

Alternativas para 'Blade Runner 2049' el 6 de octubre

Desconozco cuántos cinéfilos tendrán marcada la fecha del 6 de octubre en su calendario: el regreso de 'Blade Runner' (1982), esta vez dirigida por Dennis Villeneuve, protagonizada Ryan Gosling y bajo el nombre de 'Blade Runner 2049'. Pero que tanto remake de película de culto no haga pensar al cinéfilo alternativo, rebelado contra el hype de grandes estrenos, que no hay más opciones en la cartelera. Una de ellas, sin dejar de ser una gran producción pero en la sombra de 'Blade Runner', es la que protagonizan dos rostros conocidos y de gran talento: Kate Winslet y Idris Elba, que se reúnen en 'La montaña entre nosotros'.



Quizás 'La montaña entre nosotros' es la apuesta más segura para aquellos que  descarten el film de Villeneuve: aventuras, supervivencia y drama en las montañas del Colorado, no es mala opción. Y aún menos cuando son Idris Elba ('La torre oscura', 2017, 'Pacific Rim', 2013)- y Kate Winslet ('Steve Jobs', 2015, 'Titanic', 1997) los encargados de dar vida a los protagonistas. Pero hay otras opciones como la comedia española 'Toc Toc' o el drama perruno 'Tu mejor amigo' pasando por la interesante 'El jardín Jeannette', de sello francés.

'Toc Toc':
Dirigida por Vicente Villanueva y protagonizada por Paco León y Rossy de Palma entre otros. Comedia negra que reúne a un grupo de pacientes con diferentes trastornos obsesivos compulsivos, que se verán obligados a combatir sus obsesiones con la ayuda de todos ya que el psicólogo que les ha de tratar está sufriendo un inoportuno retraso.

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'Tu mejor amigo':
Comedia dramática que cuenta con Dennis Quaid en el reparto. Esta película sobre perros intenta descubrir la misión de un perro en su vida, a la vez que va pasando de dueño en dueño.

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El jardín Jeannette:
Quizás la apuesta más diferente, que llega a España tras dejar buenas sensaciones en el Festival de cine de Venecia y en los Premios Cesar, donde obtuvo nominaciones a mejor actriz y vestuario. Ambientada en la Normandía del S.XIX, relata la desilusión de de Jeanne que, tras casarse con el vizconde local, irá perdiendo la ilusión viendo a su esposo como un miserable y un infiel. Una pequeña maravilla de la fabrica de cine francés, como escriben algunos críticos.

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Crítica de 'Detroit', o cómo es ser negro en América

Kathryn Bigelow se ha empeñado en convertir sus películas bélicas o, al menos violentas, en una experiencia fílmica que convulsiona al espectador y en especial al ciudadano americano. A su 'En tierra hostil' (2008) y 'La noche más oscura' (2012) Bigelow incorpora 'Detroit', donde estremece al espectador con un relato enérgico a la vez que brutal y asquerosamente contemporáneo. Bigelow, que centra su cámara en los disturbios de 1967 en la ciudad de Detroit, narra la superioridad del hombre blanco sobre el afroamericano. Una historia que se repite en EEUU como un triste fenómeno cíclico en el que ahonda el racismo y la violencia racial.
  

De la mano de Mark Boal, guionista de sus dos últimas películas, Bigelow reconstruye los hechos a partir de los testimonios, ya que el caso sigue turbio y con todo por aclararse después del juicio. Y es que en julio de 1967 la ciudad de Detroit sufrió varios días de saqueos y disturbios raciales a raíz de una redada policial en un bar nocturno sin licencia. Los disturbios de Detroit son uno de los conflictos raciales más estremecedores y violentos de EEUU.

Dividida en tres actos, 'Detroit' comienza contando la situación de inferioridad y presión social en la que se ve inmersa la comunidad afroamericana de todo el país, y en concreto en la ciudad de Detroit. Todo ello relatado en una presentación animada que contrasta con la crudeza que se inicia cuando Bigelow toma la cámara y la baja a las calles atemorizadas de Detroit. Sin concesión alguna, se muestra la dureza de la actuación policial y la represión de los civiles negros. Con algunos personajes muy marcados, inmersos en una superioridad moral determinada por el color blanco de su piel y la placa policial de su pecho. Ejemplo de ello es el personaje interpretado por Will Poulter ('El corredor del laberinto', 2014, o 'El renacido', 2015), que encarna el mal y el exceso policial, en confrontación con la inocencia y la incapacidad de cambiar las cosas que se representa en los personajes afroamericanos.

Pero si por algo destaca el film de Bigelow, es por ser capaz de centrar toda la obra en un segundo acto que ilustra lo que pasó en un motel de la ciudad. Es ahí donde se muestra el talento de la primera directora en ganar un Oscar a Mejor dirección, y donde incomoda y revuelve el estomago del espectador hasta el punto de infantilizar las escenas de 'Saw' (2004), sin mostrar sadismo, solamente retratando el racismo. Una dureza que se agudiza porque forma parte de la sociedad americana, que se retransmitió en pleno S.XX y que se repite ahora y mañana. Y entre tanta violencia policial y el ejercito tomando las calles, Bigelow cae en trucos propios de otro director como Iñarritu, de escasez ética y moral, donde los niños son víctimas inocentes. Y esa faceta, desconocida en Bigelow, desaparece con un monólogo entre dos huéspedes del hostal que explican con sencillez y violenta brutalidad cómo es ser negro en América.

Tras tanta tensión, Bigelow cierra 'Detroit' con un tercer acto convencional, en el que se pierde su esencia como directora, pero a la vez necesario para rendir homenaje a los supervivientes. Un juicio en el que vuelven a coincidir un excelente elenco de personajes magníficamente interpretados: John Boyega ('Star Wars: Episodio VII', 2015), Will Poulter, Algee Smith o Anthony Mackie ('En tierra hostil', 2008, 'Capitán América: El soldado de invierno', 2014), entre otros. 'Detroit' ahonda en las heridas que habitan en EEUU. Una vez más, Bigelow denuncia los entresijos y la historia de su país con brillantez y una brutalidad limpia de morbo y sensacionalismo.

Lo mejor: que Kathryn Bigelow demuestra, una vez más, que graba como pocos las escenas de acción.

Lo peor: un final que afloja con la película pero que es necesario

Nota: 8'5

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Pablo Rubio

Trailer de la cómica 'Bye, bye Germany'

Con el fin de la Segunda Guerra Mundial, entre los intelectuales del momento se promovió la duda de si era posible hacer arte después de la guerra. Sam Garbarski, sin las pretensiones intelectuales de aquellos individuos del S.XX, no ahonda en la cuestión pero nos sumerge mediante la comedia 'Bye, Bye Germany' en la Alemania posterior a la caída del III Reich, a través de un grupo de judíos. La película de Garbarski se estrena en España el viernes 22 de setiembre. 

Basada en la novela de Michael Bergmann, 'Bye, Bye Germany' narra cómo un grupo de supervivientes judíos intenta por todos los medios trasladarse a Estados Unidos. Mediante artimañas, este variopinto grupo de judíos no dudará en engañar para lograr su sueño: decirle 'bye, bye' a Alemania. Entre los protagonistas destacan; Moritz Bleibtreu -'El experimento' (2001), 'Munich' (2005)-, Antje Traue -'El hombre de acero' (2013), 'El séptimo hijo' (2014)-, Mark Ivanir -'La lista de Schindler' (1993), 'Sr. y Sra. Smith' (2005)-, Anatole Taubman -'Quantum of Solace' (2008), 'Capitán América: El primer vengador' (2011)- y Jeanne Werner -'Colonia' (2015)- entre otros. 

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Connery, Sean Connery

Solo con oír "Un Martini seco, agitado, no revuelto", todo cinéfilo o aficionado al cine piensa de inmediato en: "Mi nombre es Bond, James Bond". El icónico espía 007 lleva desde 1962 paseando y luego disparando por esa especie de puerta que se cierra a la vez que se tiñe de sangre, al inicio de cada película de la saga. Cincuenta y cinco años de vida en la que hemos comprendido lo que significa eso de doble cero y licencia para matar y en la que los múltiples rostros de ese espía canalla, seductor y sexista nos ha enamorado a través de la pantalla. Aprovechando que la plataforma de pago 'Movistar Plus' ofrece, desde el 25 de agosto hasta el 10 de septiembre, un canal donde solo se proyectan películas de James Bond, queremos ofreceros desde 'El Script también cuenta' una recopilación del primer agente británico más famoso del cine, para muchos el que mejor interpretó el papel: Connery, Sean Connery.

Este actor escocés, retirado a día de hoy, vistió el esmoquin de James Bond por primera vez en 1962 con el estreno de 'Agente 007 contra el Dr No'. Se desvistió de él a la vez que dejó de dormir con su pistola debajo de la almohada en 1971 con 'Diamantes para la eternidad', su última película como agente secreto británico. Interpretó algunas de las más icónicas películas de la saga más prolífica de la historia del cine, con más de veinticuatro películas, convirtiéndose en un referente para los demás James Bond que le siguieron hasta el día de hoy. Estas son las seis películas que Sean Connery realizó como el espía que creó el novelista y periodista inglés Ian Fleming en 1954.

'Agente 007 contra el Dr No' (Terrence Young, 1962)

La saga James Bond no debía empezar con esta película, sino con 'Operación Trueno', y el actor deseado era Roger Moore, quien no no pudo aceptar el papel por falta de tiempo. La elección final de Connery descontentó tanto a Flemming como a Terrence Young, este último el director de la película. Al final Sean Connery los maravilló a ambos y a la historia del cine. 

'Desde Rusia con amor' (Terrence Young, 1963)

Un año más tarde, la relación entre Flemming y Connery ya era de incluso cierta amistad. Esta fue la última película que vio el presidente John F. Kennedy en la Casa Blanca, según se relata en el libro 'Death of president' de William Manchester, y es la cinta preferida del actor Sean Connery. Como último dato, esta es la única película en la que 007 no dice su célebre frase: "Bond, James Bond".

'James Bond contra Goldfinger' (Guy Hamilton, 1964)

Un éxito en taquilla que hizo que los productores recuperaran la inversión de tres millones de dólares, superior al de las dos anteriores juntas. Para muchos la mejor película de la saga, con el escocés siendo Bond, ya que significó la consolidación de Sean Connery como James Bond, quien tuvo enfrente a uno de los villanos más icónicos, Erno Goldfinger. Flemming sacó el nombre de un vecino suyo. Fue la última película que Ian Flemming visitó durante el rodaje, ya que murió meses antes de su estreno en 1964.

'Operación Trueno' (Terrence Young, 1965)

Cuarta película del ya consolidado y aclamado Sean Connery como James Bond, que trajo de regreso a Terrence Young a la dirección del film. Contó con un presupuesto de 5.6 millones de de dólares, financiado por el estudio United Artists, que anteriormente se había mostrado reacio a aportar un millón de dólares en la primera película de la saga. Se llevó el Oscar a Mejores efectos visuales en la gala de 1965, cosa que no consiguió su remake en 1983 'Nunca digas nunca'. En ésta, que no se considera una película Bond oficial, un Sean Connery mayor comparte pantalla con Kim Bassinger. 

'Diamantes para la eternidad' (Guy Hamilton, 1971)

Tras decir adiós a James Bond con 'Operación Trueno', Sean Connery volvió a interpretar al agente 007 tras la renuncia de George Lazenby, quien hizo de Bond en '007 al servicio secreto de su majestad' (Peter Hunt, 1969). Tras intentar convencer a Burt Reynolds y a John Gavin, los productores hicieron todo lo posible para hacer efectivo el regreso de Connery. Finalmente este aceptó, firmando un contrato histórico por aquel entonces: 2 millones de dólares de sueldo. El estratosférico salario del actor redujo considerablemente el presupuesto de la película, la cual sufrió para contentar al público. De poco sirvió que Connery y Guy Hamilton volvieran a reencontrarse tras el éxito de la fantástica 'James Bond contra Goldfinger'.

Pablo Rubio

Trailer de 'La seducción': Coppola cambia a Eastwood por Colin Farrell

El apellido Coppola ya no es sinónimo de la trilogía de 'El Padrino' (quizás la mejor de la historia del cine) o 'Apocalypse Now' (1979), ambas hijas del director Francis Ford Coppola. Pero dentro del universo cinematográfico actual avanza, cada vez más alejada de la sombra de las leyendas de los Corleone y las Valkirias de Vietnam, otra hija de Coppola: su hija Sofia Coppola (esta biológica y no fruto del celuloide) quien el 18 de agosto estrena 'La seducción'.

Sofia Coppola dirige este remake 'El seductor' (1971) de Don Siegel, donde mantiene el hilo argumental. Una escuela femenina de Virginia decide prestar ayuda a un soldado confederado herido. Lo que Coppola no cambia en su 'La seducción' es las disputadas amorosas entre las mujeres de la escuela, originadas por la fascinación que despierta el soldado, pero si los nombres ya que si Siegel apostó por Clint Eastwood para encarnar al apuesto soldado, Coppola se ha decidido por Collin Farrel. El que protagonizo la magnifica 'Los sietepsicópatas' (2012) -no haremos mención a la segunda temporada de 'True Detective'-compartirá pantalla, en este drama romántico de época, con Elle Fanning -'Malefica' (2014), Kirsten Dunst -'Maria Antonieta' (2012) de Sofia Copppola- y Nicole Kidman entre otros.

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Nolan explica su 'fetichismo' con Tom Hardy

Las colaboraciones entre el director Christopher Nolan y el actor Tom Hardy traspasan la barrera de la crítica cinematográfica. Desprenden tanto talento que en consecuencia adoración y la adoración (o al menos fenómeno fan) a la búsqueda de detalles, insignificantes o no. Tras compartir proyecto en 'Origen' (2010), repitieron éxito en 'El caballero oscuro: la leyenda renace' (2012) y 'Dunkerque' (2017): con la excepción de 'Origen' en las dos últimas cintas, Tom Hardy ha protagonizado un papel en que se le cubría la parte inferior de la cara -al igual que en 'Mad Max: furia en la carretera' (2015) de George Miller donde aparecía con una mascara a modo de bozal, e igual con Iñarritu en 'El renacido' (2015) donde una espesa barba cubre medio rostro del británico-. 

Preguntado por este 'fetiche', el director Christopher Nolan (el primero en tapar la boca al actor) desvelo el motivo durante una entrevista al diario Independent, que recoge la revista Fotogramas: “Estaba encantado con lo que hizo en ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’ con dos ojos, un par de cejas y un poco de frente”, a lo que añadió: “Pensé, a ver qué puede hacer sin la frente, sin cejas reales y puede que con solo un ojo”. Y no le falta razón, ya que Tom Hardy que lejos de estancarse promete convertirse en un mito del cine, porque como reza el director Christopher Nolan el actor británico consigue con un solo ojo lo que muchos otros actores con todo su cuerpo. A lo que añade: "(Hardy) Es extraordinario". 

Hasta el momento, Tom Hardy tiene previsto estrenar en 2018 'Venom', en que interpretara (¿esta vez con todo el cuerpo tapado?) a Venom un villano de los cómics de Spiderman y 'Mad Max: Wasteland' con George Miller.

 Pablo Rubio

'Dunkerque': Nolan incrementa su universo

Durante la promoción de 'Dunkerque' (2017), Christopher Nolan aviso, a los periodistas presentes en Londres, que quería evitar ser repetitivo; que esa sensación de reiteración le produce hastió. Y por eso 'Dunkerque' es su obra cinematográfica más alejada de la ambición intelectual-filosófica, que presentaban 'Origen' (2010) e 'Interstellar' (2014). Se contiene Nolan en sus pretensiones con un guión donde los diálogos caen abatidos ante la angustia y el deseo de sobrevivir, pero que roza la perfección; por como le hace llegar al espectador el miedo que sienten los soldados. Una nueva forma de enseñar la guerra aunque son, pequeños o no, los detalles que reducen la explosión que comporta la experiencia 'Dunkerque'. 

Poco se sabe de la operación de rescate de los soldados británicos, que tuvo lugar en la playa de Dunkerque en 1940 -y no sabe mucho más con 'Dunkerque, ya que Nolan no hace de ella una lección de historia-. Acorralados y amenazados en tierra, mar y aire por el ejercito nazi que ha invadido Francia, más de 400.000 soldados ingles aguardan un milagro que les devuelva a su hogar para empezar la 'Batalla de Inglaterra'. Y es en este angustioso contexto, que muestra pocos signos de esperanza, que Nolan divide en tierra, mar y aire lo que resulta una mezcla, sensacional, del tiempo: una semana de espera en la playa, un día para llegar a Dunkerque desde los pueblos costeros británicos, y una hora para la RAFF. Una manipulación del tiempo explicita que evidencia que Nolan es un hábil maestro a la hora de entrecruzar diferentes tiempos en un mismo espació. Un ejercicio de montaje que hace aún más mayúsculo 'Dunkerque', que avanza con escasos diálogos signo que no significa que abunde el silencio, más bien todo lo contrario: pues Nolan diseña una obra llena de ruido bélico -gritos de soldados arrodillados ante el pánico, disparos y obuses alemanes-. Y sobretodo del trabajo musical más pragmático de Hans Zimmer que llena con musicalidad toda la obra sin caer en la heroicidad, sino la solemnidad y en los acordes necesarios para acompañar el terror. A pesar de la brutalidad sonora, no se puede entender 'Dunkerque' como una película de ruido y poco más -no deriva en 'mucho ruido y pocas nueces'-. Nolan hace de su última película un relato de la guerra sin centrarse en la batalla como los demás directores y dando un nuevo giro -como ya se vio en la aclamada antibélica 'Salvar al soldado Ryan' (1998)-. Mecaniza, su visión de la guerra, a partir de no hacer aparecer el enemigo de forma explicita, lo que aumenta la tensión y el nerviosismo del soldado y del espectador, a la vez que se centra en las vivencias del soldado y en todas las emociones que les rodean. Y toda esta vorágine de sentimientos que se diagnostica con el síndrome de pánico se ve camuflada en una paleta de colores fríos que hielan la atmósfera hasta hacer visible la tensión.

Se muestra en 'Dunkerque' una reflexión sobre la guerra, en que los soldados ante la oportunidad de sobrevivir abandonan la rectitud moral. La guerra no es un lugar para heroicidades y eso lo refleja Nolan, quien no centra su película en personajes sino en personas y vivencias a partir de la proximidad con que sitúa la cámara. No pretende que el espectador empatice con los soldados que cumplen su deber y que buscan salvar su vida, como director busca narra una gran historia que no se vea ensombrecida por nadie. Los sentimientos de temor por encima de la individualidad del valor de Tom Hardy como piloto de la RAFF, de Harry Styles  y Cillian Murphy como soldados que buscan ser evacuado o de Mark Rylance quien zarpa con su bote hacia la playa francesa para evacuar a los ingleses. Una idea de mostrar soldados, 'cobardes' por querer salvar sus vidas, alejados de la visión herculiana del personaje de 'Rambo', que se mantiene con firmeza durante todo el film, pero que se disuelve con algunas tramas que eluden a trucos simples y reiterativos estereotipos de suspense que empañan la gran obra de Nolan. Y esta sensación se incrementa, parece ser una norma general en la filmografía de Nolan, en el final de 'Dunkerque' donde el meticuloso director británico pone el piloto automático. Deriva la tensión, el nervio, el sufrimiento y el deseo del espectador no verse jamás en medio de una guerra -Nolan lo consigue con rotundidad- en un mensaje incoherente que demanda volver a luchar, a postergar el conflicto. El retrato bello y terrorifico de la batalla se transforma en un anuncio de zapatos deportivos extrapolable a cualquier enfrentamiento. Especificando una lucha contra el fascismo se hubiese entendido el final y no hubiese zozobrado, como en otras obras de su filmografía.

Christopher Nolan consigue con 'Dunkerque' hacer su obra más diferente, alejada de las pretensiones de sus anteriores trabajos, siendo un film estupendamente minimalista que retrata la guerra desde una visión diferente. Nola demuestra que su meticuloso trabajo sirve para hacer del cine una experiencia.

Lo mejor: como muestra de forma diferente a través de unos elementos muy concretos

Lo peor: una vez más en Nolan, el final
Nota: 9/10

Pablo Rubio

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Sinopsis: 

Año 1940, con las tropas alemans ocupando Francia, los soldados britanicos aguardan un milagro para regresar a casa y asi evitar caer en manos nazis. Por tierra, mar y aire, Nolan relata como se dio la operación de restace que sirvió más tarde para derrotar a las fuerzas del eje. 

Trailer de Tanna: estrenada en 2015, nominada al Oscar en 2016, 2017 en España

El estreno de 'Tanna' (2015), el próximo viernes 28 de julio en España, tendría que destacar, solamente, por la llegada de la obra del director Bentley Dean y Martin Butler a los cines españoles, pero lejos de esto -y sin que se centren los focos en otros aspectos- 'Tanna' llega con un severo retraso. Estrenada en 2015 en el resto del mundo, 'Tanna' de producción australiana fue nominada a los Oscar a 'Mejor película de habla no inglesa'.

Dirigida conjuntamente por los directores Dean y Butler, 'Tanna' representa el debut cinematográfico de los dos. Una opera prima que se paseo por la alfombra roja de los Oscar, narrando romance dramático y a la vez verídico de dos jóvenes: una indígena que se enamora del nieto del jefe de la tribu del poblado de Tanna, en la República de Banatu (Polinesia). Un amor prohibido, protagonizada por los propios miembros de la comunidad, que algunos críticos catalogaron como "Un encantador relato de la vida real de los problemas en el paraíso" (David Rooney: Hollywood Reporter)

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Trailer de 'A 47 metros': la película de tiburones del verano

Ya el verano pasado, el director Jaume Collet-Serra demostró -con 'Infierno azul' (2016)- que las películas veraniegas necesitan del terror que provocan los tiburones, y que tuvo su catarsis en 1975 con el estreno de 'Tiburón' de Steven Spielberg. Siguiendo con la formula de escualos igual a terror más blockbuster de éxito en verano, el director Johannes Roberts estrena el 21 de julio 'A 47 metros': un thriller de aventuras marinas con aguas dominadas por tiburones blancos con ganas de devorar la taquilla.

'A 47 metros' narra la odisea de dos hermanas que se encuentran atrapadas en una jaula submarina para avistar tiburones blancos. Sumergidas en el mar del Golfo de Méjico, con el oxigeno agotándose y sin ninguna otra ayuda que la que se pueden ofrecer mutuamente, estas dos hermanas deberán encontrar la forma de salvar sus vidas y no acabar devoradas por los escualos que las rodean. Interesante aventura que da un giro más a lo que planteo John Stockwell en 2012 con 'Marea letal' de la mano de Halle Berry. 

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Baby Driver: película a medias

Desde  hace un tiempo que las películas de robos y atracos con coches, que convierten las calles en circuitos, colapsaron el carril de la comercialidad: provocando que la emoción inicial se diluyera en un largo y aburrido atasco como el de 'Fast&Furious'. Entre tanta testosterona y luchas de virilidad para demostrar quien es el más macho apareció en la carretera una joya del automovilismo allá por el 2011 llamada 'Drive'. El director Edgart Wright dirige 'Baby Driver' a la vez que bordea la saga de Vin Diesel y la obra de cine independiente y de culto de Ryan Gosling. Y es que Baby Driver combina la adrenalina de las mejores persecuciones de Toretto y cia con el romanticismo de la violenta 'Drive'.
 

Edgar Wright - 'Zombies party' (2004), 'Arma fatal' (2007) y 'Bienvenidos al fin del mundo' (2013)- destaca por una filmografía repleta de carcajadas y por un rostro, el del actor Simon Pegg -protagonista de las tres películas mencionadas-. En 'Baby Driver' el director decidió prescindir de los servicios de Pegg, quien no solo le servía a Wright de actor sino también de guionista, una decisión de la que se resiente la cinta al no encontrar la complicidad del espectador en el humor que envuelve la película. Como tampoco complace al espectador en el guión: un chico llamado Baby -interpretado por un incipiente Ansel Elgort- destaca por su habilidad al volante, una cualidad que utiliza para ser el conductor en las huidas de los atracos; con la particularidad que siempre escucha música para solventar un problema auditivo a causa de un accidente. Viviendo de encargo en encargo desea hacer su último trabajo para dejar atrás un mundo violento e irse con la chica de sus sueños. 

Nada nuevo en la carretera, a excepción de que la particularidad de Baby de escuchar música continuamente le sirve a Wright para dotar de ritmo unas fascinantes y potentes persecuciones por las calles de Atlanta. Pero eso no basta, los flojos diálogos (a excepción de los de Baby y Debora, la camarera de la que se ha enamorado -una más que correcta Lily James-) hacen que la primera hora cause aburrimiento y deseos de que a la cinta se le acabe la gasolina o que sirva para incendiarla. Una 'lluvia' necesaria para ver el arcoíris, como reza la película. El arcoíris se vislumbra en la solución que encuentra Wright al juntar a Baby con Bats -un creíble Jamie Foxx, Darling -una correcta Eiza Gonzalez- y con Buddy -un Jon Hamm que impresiona-. Y es que este cuarteto pisa el acelerador en la recta final de la película para llenar de emoción, tensión, de mejores diálogos que los iniciales, nervio y puro espectáculo visual. Solo entorpecido por Kevin Spacey -sabe mal escribir esto- quien ocupa el papel de Doc, el jefe de la banda. Así que entre persecuciones policiales a pie y a coche, disparos, amenazas de muerte y promesas de amor Edgar Wright consigue como los grandes magos terminar un tercer acto a un ritmo, no solo el musical, de vértigo. Y entre asesinato que antecede un atraco, en Baby Drive se encuentran momentos en que se aleja de la acción de 'Fast&Furious' para ceder espació a una historia romántica que por contexto recuerda a 'Drive'. Una historia acelerada y en cierta medida poco creíble por los tiempos, pero que funciona en pantalla, enternece la historia y dota de una capa más un film de sangre y grasa de motor. 

La obra de Wright empieza perdida, desarrollándose dentro de un género que entorpece y enmascara su propia identidad. Como comedia 'Baby Driver' no convence, son pocos los momentos que funciona el humor, como película de acción y crimen envueltos en una interesante historia de amor, Baby Driver se comporta como una gran película. Que brilla por momentos pero que acusa la irregularidad evidente que existe entre la primera y la segunda parte.

Lo mejor: su historia de amor y las persecuciones (la mejor quizás no se da en coche)

Lo peor: la primera hora

Nota: 6/10

Pablo Rubio

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Sinopsis:

Baby es un peculiar conductor de atracos que encuentra en la música una obsesión y una solución a sus problemas auditivos. Envuelto en un mundo de crimen y violencia espera deseoso abandonar su trabajo para huir, y más después de encontrar el amor en una joven chica. 

Repaso de la icónica trayectoria de Daniel Day-Lewis

En Cataluña se utiliza a menudo la expresión 'En el pot petit la bona confitura', que vendría a decir que el talento o la brillantez no esta relacionada con la pomposidad o con la ostentación ni tampoco que el adornar con espíritu barroco hará mejor el producto. Daniel Day-Lewis no es precisamente un actor de tarro pequeño (su 1'87 cm lo acreditan al igual que su mirada a cámara) pero hace buena la frase. Su temprano adiós de la interpretación se da con, menos de veinte películas que le han valido, tres Oscar como mejor actor principal -Walter Brennan y Jack Nicholson también ostentan tres estatuillas pero al menos una pertenece a la categoría de mejor actor secundario-  y con el reconocimiento de ser una de las grandes figuras del cine. 

Su exigente criterio a la hora de decidir aceptar un papel y su carácter perfeccionista, le han llevado a prepararse con suma delicadeza cada uno de los personajes que a los que ha dado vida en la gran pantalla. Consagrado como uno de los mejores actores de la historia del cine. Aplaudido y querido tanto por la crítica como por el público. Tras que anunciara que abandonda el cine, solo podemos hacer un breve repaso de las mejores interpretaciones de Daniel Day-Lewis y de algunos rumores sobre sus métodos de interpretación.

PHANTOM THREAD

El rodaje de 'Phantom Thread' empezó este febrero, con suma discreción, y se tiene previsto su estreno en USA a finales de este año, significando el último trabajo cinematográfico de Day-Lewis. Su visionado es obligatorio, película dirigida por Paul Thomas Anderson -'Sidney' (1996), 'Magnolia' (1999)- que trata sobre el mundo de la moda en los años 50 (se rumorea que Daniel Day-Lewis deja la interpretación para dedicarse a la moda). Además de suponer el adiós del actor británico, 'Phtantom Thread' da lugar al reencuentro entre el aclamado director y el venerado actor tras trabajar juntos en 'Pozos de ambición' (2007), película con la que gano su segundo Oscar. Veremos si repiten el éxito cosechado en 2007. Bendita justicia poética.

LINCOLN (2012)

El que parecía su último trabajo le valió su último oscar con Steven Spielberg a cargo de la dirección. Biografía sobre el presidente Abraham Lincoln, durante la guerra de secesión, que destaco más por la oscarizada (con este logro su tercer Oscar) y brillante interpretación de Day-Lewis que por la película en si, y es que el actor se preparo a conciencia el papel. Durante el rodaje enviaba mensajes de texto con el lenguaje propio del S.XIX, así como que obligo a todos los miembros de la película -incluído el propio Spielberg- dirigirse a él como 'Señor Presidente' y es que durante ese tiempo firmaba cualquier documento con el nombre del decimosexto presente de Estados Unidos. 

POZOS DE AMBICIÓN (2007)

Película catalogada de drama rural de los años 20, pero el autentico drama seria no verla. Dirigida por Paul Thomas Anderson, 'Pozos de ambición' es una magnifica película en que la historia y el nivel de la interpretación de Daniel Day-Lewis están a la par, y que le valió su segundo Oscar. Familia, religión y sobretodo avaricia y codicia. Película de culto que llevo al oscarizado actor a no relacionarse con el actor Paul Dano durante el rodaje: en una entrevista Dano afirmo que Day-Lewis lo hizo para así hacer más plausible la enemistad que existía entre sus personajes.

GANGS OF NEW YORK (2002)

Dirigida por un Martin Scorsese, que todavía no torturaba al espectador con películas como 'Silencio' (2016), pero que ya constataba su gusto por hacer películas de gran duración, y talento. Película que muestra el nacer de un Nueva York corrupto controlado por bandas criminales, en que reina la venganza. Protagonizada por Leonardo Di Caprio, Cameron Díaz, Liam Nesson y el propio Daniel Day-Lewis. Junto a Scorsese no consiguió el Oscar, pero fue un digno candidato al Oscar ante un Adrien Brody que se lo llevo por 'El Pianista' (2002). Lo que si consiguió Day-Lewis fue llevarse una neumonía por no quererse poner un abrigo que no era de la misma época que la película y a rechazar la medicina moderna, lo que acabo alargando la inflamación de su pulmón. 

EN EL NOMBRE DEL PADRE (1993)

Drama carcelario basado en hechos reales que relata el conflicto del IRA, durante los años 70 en Belfast. Dura historia dirigida por Jim Sheridan que le valió otra candidatura a Day-Lewis, pero que no fue suficiente ante Tom Hanks -'Philadeplhia (1993)-. Perdio el Oscar y el sueño, se paso tres noches seguidas sin dormir para interpretar la escena del interrogatorio, en el que le acusan injustamente de terrorismo. 

EL ÚLTIMO MOHICANO (1992)

Dirigida por Michael Mann -'Heat' (1995), 'El dilema' (1999) o 'Collateral' (2004)-. Interpretada por Madeleine Stowe y Daniel Day-Lewis. Y con una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine. Poco más que añadir de esta cinta de aventuras románticas, contextualizada en la América colonial, en que Day-Lewis interpreta a un indio mohicano dispuesto a todo para salvar a la mujer que ama. Magnífica historia, apta para todos los públicos, que llevo al actor a convivir todo el día con un rifle y a aprender a cazar con el rifle y el tomahawk.

MI PIE IZQUIERDO (1989)

Primer trabajo cinematográfico con el director Jim Sheridan, el mismo que el de 'En el nombre del padre' (1993) y 'The Boxer' (1997), que le valió a Daniel Day-Lewis su primera estatuilla. Drama biográfico que muestra el esfuerzo de superación del pintor y escritor irlandés Christy Brown, quien sufría una parálisis cerebral. Postrado en una silla de ruedas durante todo el rodaje, Day-Lewis pidió a miembros del equipo de rodaje que le empujaran y le dieran de comer. Hay rumores que apuntan que termino con dos costillas rotas, debido a la postura permanente que adoptó.

Actor de método capaz de interpretar cualquier papel, Daniel Day-Lewis es uno de los más grandes actores del cine, capaz de simbolizar con un escueta filmografia que 'en el pot petit hi ha la bona confitura' (en el tarro pequeño la esencia se vende). Sus interpretaciones, ya no son solo sus tres oscars a mejor actor, hacen que muchos lo cataloguen como el mejor actor. Su temprano adiós, al igual que otras estrellas como Sean Conery, Jack Nicholson o Gary Grant, le consagra como una leyenda viva del cine.

Michael Bay y Mark Wahlberg abandonan 'Transformers'

Los fans de la saga 'Transformers', como algunos miembros del equipo de la franquicia, pueden encontrarse en 'shock' tras el anuncio del director Michael Bay y el actor Mark Wahlberg de no seguir. Los rumores que acompañaban la promoción de 'Transformers: El último caballero' -que se estrena el 4 de agosto de este año- se han oficializado tras la renuncia pública del actor estrella y el director ante los medios de comunicación.

El actor norteamericano confeso su decisión de no continuar en una entrevista donde declaraba que las altas exigencias -entrenamiento físico, ensayos, rodaje y promoción- a las que estaba sujeto son la razón de su adiós, después de 'Transformers: El último caballero'. Wahlberg se transformo en actor de la saga sobre robots tras el polémico adiós de ShiaLabeuf, quien ya no pudo pulir los 'roces' con el director Michael Bay después de la tercera entrega. Por su parte Bay abandona 'Transformers' tras mostrarse agotado pero satisfecho por la labor, como reporta la edición digital de 'Fotogramas'. "Éstas películas que he hecho son películas masivas. Toman mucho de ti y de tu vida", a lo que añadió el director. "Ya he hecho suficiente, y me lo he pasado muy bien. Así que voy a hacer una gran explosión con ésta y voy a dejarlo antes de que sea tarde, ¿sabes?" Para concluir con un: "Creo que ha sido un gran paso en mi carrera, pero aún hay muchas otras películas que quiero hacer". Opina un Bay, que se muestra ansiosa por involucrarse en nuevos proyectos que le obliguen a adoptar un tono más adulto y serio.

Quien sabe si Mark Wahlberg y Michael Bay, que ya coincidieron en 'Dolor y dinero' (2013), vuelven a encontrarse en una nueva película o en la próxima entrega de 'Transformers' (si acaban cambiando de opinión). Falta por ver quien tomara el relevo en la dirección y en la interpretación, se abre una incógnita que, seguramente, a más de uno ha dejado inquieto.

Pablo Rubio

Crítica de 'The Son' el western de la América del S.XX y del SXXI

Desconoczo el motivo por el cual la miniserie 'The Son' producida por AMC -la misma que 'Breaking Bad' (2008) y 'Mad Men' (2007)- lleva este nombre por título. Quizás porque este western de diez capítulos que relata como se construyo la América de principios de S.XX mantiene similitudes con la América de principios de S.XXI. Si Donald Trump escribió el libro 'El arte de negociar' , el novelista Philipp Meyer ha escrito la novela, en que se cimienta 'The Son', sobre como el ser humano se corrompe por el poder. Un western de masacres contra indios nativos y mejicanos en el Texas que Trump vería como referente.

Un western moderno -no van a caballo sino en coche y se busca el petróleo y no oro- que expone el ascenso al poder de Eli McCullough (Pierce Brosnan), patriarca de una de las familias más ricas de Texas que primero convivió con los indios comanches, verdugos de su familia. Y es a partir de estos dos hechos que se desarrolla la historia durante los diez capítulos que dan vida a 'The Son'. La serie parte con la intención de contar como el joven y de espíritu inocente, Eli McCullough, se convierte en un adulto terrateniente sin escrúpulos movido por el poder, intención que no se logra del todo debido al evidente elipses con el que parte la serie. La construcción de las dos historias paralelas es un gran acierto pero carece del nexo que las una. Se pretende plasmar como el joven McCullough, que rodeado de indios comanches muestra su cara más humana, simpática e inocente, se convierte en el adulto McCollough que lidera a colonos americanos que se visten para mancharse de sangre a base de pistolas listas para disparar, de un plumazo. Pero faltan argumentos para mostrar ese cambio de actitud. 'The Son' se centra más en la  ascensión al poder de McCullough y en como ya esta podrida su ética y su moral y no en el porque se adopta esta actitud despiadada por primera vez. Una cuestión que puede etiquetar a 'The Son' de pretenciosa al querer ser una propuesta introspectiva sobre los limites morales del ser humano sin acabar de ahondar en ellos, mostrando solo el resultado final y no el germen de la malicia. Se puede entender que esa semilla radica en la comunidad que rodea al personaje, pero son suposiciones que discurren en el espectador. Demasiado abierto a suposiciones siendo este tema el objeto principal de la serie.

A nivel de tramas la serie se desenvuelve con soltura consiguiendo no perder el interés. Destaca sobretodo la trama del joven McCullough relacionándose con los comanches, una trama que sin llegar a ser considerada costumbrista, se asemeja, y muestra la cultura del pueblo comanche. Más allá de su intención de mostrar los hábitos de los indios se plantea una nueva visión alejada de la del colono. Donde el 'enemigo' no es el indio sino el colono americano que se adueña de las tierras. Una trama combinada con la de McCullough adulto en que se cambian los roles ya que, al igual que en la América de Trump, el enemigo es el individuo mejicano al que hay que echarle de las tierras. Siendo esta la trama contra los mejicanos, en la que Pierce Brosnan es el gran protagonista, ya que lidera como patriarca de los McCullough el ataque contra mejicanos por codicia y poder. Y el problema no radica en que Brosnan participe en la serie sino que el desarrollo de los personajes solo sea visible en él y en su hijo. Eli McCullough y su hijo menor son los únicos personajes, por los que los guionistas han tenido cura de hacer visible un desarrollo emocional, pero como se ha comentado anteriormente sin lograr satisfacer la premisa de la serie. Un error que se paga caro, ya que un estupendo Carlos Bardem se presenta desaprovechado al concluir la serie.

'The Son' nunca sera considerada una gran serie, solamente se pude definir como interesante y entretenida lo que no le quita valor. Quizás destaca más por su idiosincrasia histórica que no por su condición artística. Su único error es pretender narrar motivaciones morales y humanas que no acaban de concretarse de forma concreta.

Lo mejor: Que en ningún momento te llegas a aburrir.

Lo peor: Que no queda claro el porque de ese cambio en el protagonista.

Nota: 6/10

Pablo Rubio

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Tráiler de 'Cartas de la guerra'

El director portugués, Ivo Ferreira presenta 'Cartas de la guerra' (se estrena el 16 de junio en España) tras recibir halagos en los festivales de Berlin y Fénix del año pasado. Un drama histórico basado en la guerra colonial que ocupo a Portugal y Angola, durante los años 70. 

Basada en la novela del escritor António Lobo Antunes, 'Cartas de la guerra' cobra vida a partir de la relación epistolar que mantienen un soldado y su mujer, durante 1971-73 que duro el conflicto. Una película que pone el foco en las guerras y conflictos coloniales. 

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Pablo Rubio

Crítica de 'Neruda': la deconstrucción del mito romantico

Son tan infinitas las formas de hacer un biopic, como las que ofrecen los protagonistas que ocupan la cinta. Muchas opciones permiten engrandecer la figura del rostro homenajeado con belleza, dureza y emoción -'El francotirador' (2014) de Clint Eastwood- y muy pocas e incluso únicas son las que ofrece el director Pablo Larraín: hacer anti-poesía de la imagen poética de Pablo Neruda. Distanciado de su sobria pero densa 'Jackie' (2016), Larraín hace de 'Neruda' el retrato menos romántico del poeta chileno.

Lejos del retrato cariñoso y divino de 'El cartero (y Pablo Neruda)' (1994), 'Neruda' desmitifica el mito, rindiéndole un ejercicio de realismo poético que versa entre la dureza y la belleza. Porque como dice Larraín, 'Neruda' no es un biopic del poeta sino una obra nerudiana en que no se relata la vida y 'milagros' de Neruda sino su ser: todo respira, actua y siente según el poeta. Una cinta metapoetica que nos traslada a 1948, cuando Neruda siendo senador chileno denuncia al presidente chileno, González Videla, de traicionar a los comunistas. Un discurso político que inicia la desaparición del Partido Comunista chileno y la clandestinidad del fugitivo poeta, que emprende un viaje de huida por Chile y los Andes. Pero Larraín no construye algo épico de la persecución sino algo que se lee lentamente para alargar la lectura que desvirtúa el recuerdo de un ilustre de las letras.

Todo lo que percibe el espectador tiene algo de Pablo Neruda, una película inmensamente de autor que convive con la mentalidad enfermiza del premio nobel de literatura de 1971. 'El poeta no hace el amor con una rosa entre los labios' resulta el primer aviso de la monstruosidad del personaje que relata el policía ficticio (un más que correcto Gael García Bernal) que se ha inventado Neruda (un brillante Luis Gnecco) para engrandecer su leyenda, su mito, su estatua dorada que persiste en nuestro recuerdo. Se dibuja un Neruda que encuentra, en su gusto por las novelas policiacas, la herramienta para persistir en su afán narcisista de construir una persecución policial intensa y astuta. Un deseoso clásico relato cinematográfico de policías y héroes fugitivos que  con suma habilidad y delicadeza Larraín ridiculiza con comicidad. 'Neruda' narra el deseo egoista del poeta más humano por dormir en la cima de la civilización que termina por definirle como un 'enemigo publico y un amante inolvidable'. Larraín consigue difuminar el discurso  alegre, cariñoso y romántico para implantar en la memoria del colectivo, la imagen de un poeta enfadado con la cara triste y lleno de palabras amargas que se visibiliza en un cierre poético en que el uso reiterado y transformador del verso 'Puedo escribir los versos más tristes esta noche' cobra sentido para hacer aún más triste y aspero el recuerdo del más celebre poeta.

Un relato bello y poético que se escribe con una dureza formidable que describe un celebre de nuestras artes como un ilustre detestable, a partir de un montaje fantástico que consigue estar a la altura de la narración. Una cinta que empieza con una discursiva política, que no termina por convertir el film en una reflexión política, pero que si consigue describir un devastador paisaje de represión y tortura con sutileza y sin desencajar. Con una fotografía elegante y una musica solemne que no hacen más que construir una pieza llena de sentido que roza la perfección.

Lo mejor: la capacidad de Larraín para desvirtuar poéticamente una leyenda de la poesía con su recuerdo.

Lo peor: como se alarga excesivamente la historia en momentos puntuales

Valoración: 9/10

Pablo Rubio

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Sinopsis: 

Año 1948, el senador Pablo Neruda ofrece un discurso en el senado contra el presidente Videla que provoca la desaparición del partido comunista y la clandestinidad del poeta. Biopic del poeta más grande, que muestra la cara más oculta de Neruda durante su exilio. 

Tráiler de 'Clash', de Cannes a la cartelera española

Nominada en Cannes, en la sección 'Un certaing regard' de la edición de 2016, llega a los cines españoles, el próximo 2 de junio, la película 'Clash' del director egipcio, Mohamed Diab. La segunda cinta de este atrevido autor, que como sucede con su primera película, 'El Cairo, 278' (2010), en 'Clash' se vislumbran las diferencias sociales de su país.

'Clash' nos sitúa en El Cairo de el 2013, dos años despúes de la 'Primavera arabe', dentro del maletero de un coche policial que ha detenido a un grupo de ciudadanos, entre ellos un periodista y un fotógrafo americanos, como consecuencia de los violentos disturbios que esta viviendo la ciudad. Dentro de un ambiente claustrofóbico -el maletero del furgón policial en que se da todo la acción- los manifestantes reflexión sobre diferentes cuestiones que se van planteando, encontrando roces políticos y religiosos entre ellos. Un drama político que más allá de Cannes también fue aplaudido por la crítica y el público del festival de Valladolid de 2016.

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Pablo Rubio