El aclamado director Robert Eggers ('La bruja', 2015) escribe y dirige 'El hombre del Norte', protagonizada por Alexander Skarsgård, Anya Taylor-Joy, Nicole Kidman, Ethan Hawke, Willem Dafoe y Björ. Estamos ante un thriller épico de venganza que sigue a un príncipe vikingo en su búsqueda de justicia por el asesinato de su padre.
'El hombre del Norte' se estrena el próximo 22 de abril en cines. Ahora os dejamos con su tráiler:
Una confusión de IMDB apuntaba hace unos meses que la próxima película de Wes Anderson ('Gran Hotel Budapest', 2014) iba a durar 4 horas. Muchas personas se emocionaron por poder pasar tantos minutos viendo una película fantásticamente simétrica y colorida. Pero nada más lejos de la realidad, a los pocos días la distribuidora del film aclaró el error. La duración ofical será de 1 hora y 48 minutos y se titulará 'The French Dispath', de la cual todavía no tenemos fecha de estreno oficial, pero sí un tráiler recién salido del horno.
El film contará con la banda sonora de Alexandre Desplat, con quien Anderson ha trabajado en todas sus películas desde ‘Fantástico Sr. Fox’ (2009), y con su imprescindible Robert D. Yeoman ('Academia Rushmore', 1998) al mando de la dirección de fotografía.
La trama se ha descrito como una carta de amor al mundo del
periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en
una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias
conectadas entre sí.
Pero, lo más sorprendente de esta película es el reparto que la forma, increible y fantástico a partes iguales: Timothée Chalamet ('Call me by your name', 2017), Saoirse Ronan ('Lady Bird', 2017), Benicio del Toro ('Sicario', 2015), Willem Dafoe ('El Faro', 2020), Kate Winslet ('Titanic' 1997), Tilda Swinton ('Suspiria', 2018), Bill Murray ('Lost in translation' 2003), Léa Seydoux ('Spectre', 2013), Adrien Brody ('El Pianista', 2002), Frances McDormand ('Tres anuncios a las afueras', 2017), Owen Wilson ('Wonder', 2017)entre muchísimos otros.
Estamos viviendo una nueva época dorada de los biopics, un ejercicio de caída libre en la mente del creador en cuestión y en la cual los directores suelen salir mal parados y los intérpretes elogiados y recompensados. Julian Schnabel mete el dedo en la llaga con la turbulenta vida del pintor más conocido sobre La Tierra, Vincent Van Goth, al que Willem Dafoe presta su cara y locura.
Sobre el pintor holandés ya se ha contado todo (o casi todo) y aún así la última década llevamos una buena cosecha de homenajes en forma de documentales, docudramas, series y exposiciones; incluso hace dos años parecía que se iba a poner un broche de oro final con la increíble e imaginativa 'Loving Vincent', la animación creada al óleo con la misma técnica de Van Gogh.
A favor de 'Van Gogh, a las Puertas de la Eternidad', sin embargo, está una visión más amplia y con más cauces de la tortuosa vida de Vincent que ya todos conocemos. Julian Schnabel no ha querido repetir las fórmulas narrativas de su debut cinematográfico 'Basquiat' (1998), en la que muchos críticos tacharon de convencional y simplona, y en su admiración por el artista holandés sí ha dotado de importancia otros asuntos que tienen que ver con la pintura.
Julian Schnabel además de cineasta es pintor, y como buen pintor también se ha cuestionado su trabajo hasta límites que parecen inalcanzables. Me hace cierta gracia pensar que existe una dualidad de este debate interno con la persona que está mirando un cuadro en un museo y piensa: ¿Cuánto tiempo debería dedicarle a admirar esta obra? ¿La he entendido? ¿Debería pasar a otro cuadro? ¿Por qué pintaba girasoles todo el rato este señor?
La primera mitad de la película finaliza con la famosa oreja cortada y envuelta en un papel. Hasta entonces hemos aprendido sobre la inspiración de Vincent al crear sus obras, su amistad con Paul Gauguin y su hermano Theo y, por supuesto, su subsistencia basada en el "no encajo en este mundo" que lo llevaban a esos brotes psicóticos.
Willem Dafoe, quien se ha llevado una merecida nominación a los Oscars, y los planos subjetivos con la cámara al hombro esbozan la ajetreada mente del artista que solo sabe ser artista. El gran esfuerzo interpretativo del actor estadounidense queda secundado además por otras florituras técnicas como los filtros de colores (amarillo sobre todo) o ese extraño desenfoque parcial de la cámara que no recomendaría ver a gente con TOC. Un estilo a lo Terrence Malick que, si bien está consentido, volverá loca a una buena parte de la audiencia.
Pero lo más interesante para mí ha sido una segunda parte de la película donde se habla con más dedicación de esa puerta a la eternidad que atestigua el título. Lo que me ha parecido curioso (e inesperado) es que hay un encauzamiento al debate sobre si Van Gogh realmente era un buen pintor. Es interesante ver cómo el propio pintor empieza a dudar de sí mismo, y lo hace con dos magníficas conversaciones, clave en la película: con el reverendo y cuando pinta a su médico.
Lo mejor: Willem Dafoe (Oh senyor nostre!) y el proceso de creación de algunos cuadros de Van Gogh
Lo peor: Mucha floritura técnica para un biopic del que estamos cansados ya
Nuevo año, nuevo biopic. El director Julian Schnabel ('El llanto de la mariposa', 2007), quien debutase en 1996 con otro biográfico de un gran pintor como fuese 'Basquiat', expresa su admiración por la obra del gran pintor holandés en 'Van Gogh en la puerta de la eternidad'.
La película estará protagonizada por Willem Dafoe, quien ya se ha llevado los halagos en los festivales que se ha presentado y se ha llevado sus correspondientes nominaciones, incluido el de mejor actor en los Globos de Oro. Siguiendo la estela del 'Bohemian Rapsody' (2018), este nuevo biopic quiere emocionar tanto por la personalidad y los problemas mentales que llegó a sufrir Van Gogh como los famosos cuadros que inspiraron a toda una generación de artistas.
En nombre del cine indie se están cometiendo verdaderos atropellos. John Cassavettes lo pasaría peor que en 'La semilla del diablo' (1968) si lo devolviésemos a la vida y le hiciésemos ver lo último de Sean Baker. El director de New Jersey alcanzó una fama considerable con 'Tangerines', su último largometraje, en el que emplea cámaras de iPhone para narrar la el desengaño de una prostituta. Ahora estrena en España 'The Florida Project', una película de bajo presupuesto (ya no mínimo), sobre la confrontación entre la inocencia y la desvergüenza, entre la opulencia cercana y la miseria presente.
En primer lugar, el desenfoque de ciertos planos, escenas completas en ocasiones, refleja una estética más cutre que desenfadada. Si la intención era que la forma se hiciese cargo del contenido, que la imagen borrosa tratase de mitigar o de mostrar la censura a esa puerilidad maleducada de los protagonistas (los niños y las no tan niñas), lamentablemente no convence. Casi prefiero pensar que se trataba de deslices del foquista (si es que había foquista). Como tampoco convence la chapucera fotografía, la cual en ocasiones presenta grano en escenas diurnas para luego mostrar con mayor nitidez imágenes nocturnas. No tiene poder de convicción porque estéticamente no presenta unanimidad, ni continuidad, ni coherencia.
A pesar de lo dicho, la colorimetría de la película está más trabajada. Tampoco se puede negar que algunas secuencias, como la de las niñas protegiéndose del diluvio bajo el árbol derruido, poseen un decoro que no casa con el resto de la cinta. Una cinta que trata de contar al espectador una realidad tristísima con un aire desahogado, casi dotado de cierta gracia. Pero la gracia se pierde en una estructura iterativa que termina por ser farragosa. La frescura de las colonias que Halley (Bria Vinaite) vende es absorbida por la peste de los estercoleros de Orlando.
Y es que la trama presenta las propiedades de un chicle Boomer, a los diez minutos pierde su sabor y su atractivo aspecto original, pero la cosa se alarga eternamente. Tan triste como la historia que se nos cuenta, una historia de injusticias y contrastes en la que una jovencísima madre soltera malcría a su hija de siete años mientras a escasos metros pudientes familias se divierten en esa fantasía llamada Disneyland, es que el potencial de la misma se vea ahogado entre los gritos de Halley, Moone, Scooty (Christopher Rivera) y compañía. La película se cicla en la tesis del determinismo ambiental, sin llegar a partir de ella para ahondar en la historia de sus protagonistas: en el momento en que se muestra a la recatada Jancey (interpretada con mucho tino por Valeria Cotto, aunque en todo momentoeclipsada por su colega Prince) sumándose a las travesuras de los otros dos muchachos, se hace innecesario otra hora de deambular y de travesuras. Tampoco es preciso mostrar cincuenta actitudes irresponsables y maleducadas de Halley. Esta narración lineal pero repetitiva es la que no permite a Baker atracar en puertos más productivos.
El ruido, sea entendido como sonidos desagradables o como redundancia, es excesivo hasta el punto de ser molesto. Aunque las peleas, los desagradables tacos y los berridos repetidos en bucle no llegan a empañar la estratosférica actuación de Brooklynn Prince (nombre hortera donde los haya, con doble ene incluida. Podría haberse llamado igual en la película, le vendría al pelo, pero entonces tendría que cambiar el título de mi crítica cuando por una vez estoy contento con él. Yo hasta el momento solo conocía un Brooklyn... y era un chico, el hijo de David y Victoria Beckam, ¡qué menudo pieza! Sus hermanos se llaman Romeo y Cruz, los de Beckam digo, para que os hagáis una idea. Aunque parece que con los dos enes se lo ponen a la nueva oleada de actrices norteamericanas, hay una tal Broklynn Proulx del 99 por ahí, salió en 'Brokeback Mountain' (2005) y todo, así que nombre hortera pero garante de talento precoz). Uff, ¡cúanto he desvariado en el paréntesis!, abriré nuevo párrafo para hablar de la actuación.
Considerando las comparaciones odiosas, considero la actuación de Brooklynn Kimberly(el segundo nombre también se las trae) Princela mejor actuación de un menor de quince años por la riqueza de su registros, y por la exigencia de su papel. Princesimplemente da la impresión de ser incapaz de salir de su papel, de haber sido absorbido por Moone. Mooneconcentra toda la insolencia, toda la mala educación y la descortesía de su madre, su único referente, la persona con la que comparte alcoba en ese castillo en ruinas; pero en las cosas más insignificantes, más inocentes, y en el momento más inesperado, se comporta como la más pura de las niñas: el miedo y el llanto espontáneo que brotan en su rostro hacia el final, el modo en el que comparte helado con Scottie y Jancey. De este modo contrasta las feas muecas que imita a la perfección de su madre (no sé cual de las das se adaptó a la otra, si Prince o Vianite), con la energía optimista y estrepitosa de los niños.
Luego está Willem Dafoe, cuya interpretación como gerente del motel de marras se ha puesto por los azules cielos de Florida y le ha valido una nominación a los Oscar (se lo llevará Sam Rockwell). Dafoeestá sensacional también (todo el reparto lo está, incluida la sorpresiva aparición de un verdadero referente del cine indie, Macon Blair), pero es que él suele estarlo siempre, y Baker hace trampas para que el actor de 'Arde Mississippi' (le va el sudeste americano al de Wisconsin) se luzca más de lo necesario: de la misma forma que navega en círculos una película que solicita una progresión hacia delante, un giro de guión no tan próximo al final, añade episodios absolutamente aislados como el del presunto pederasta que nada tiene de necesario.
Si habéis llegado hasta aquí y habéis visto la película, por favor, opinad que os parece la última escena. Para mí es un resumen de toda la película: una buena decisión mal tratada y peor ejecutada. Peca de exceso de ímpetu y jovialidad lo nuevo del joven Sean Baker, aunque hay que reconocerle el atrevimiento a hacer una película de dos horas con niños como protagonistas, y a abordar crudos temas desde una perspectiva inocente.
Lo mejor: Brooklynn Prince... o mejor, Moone, que es un nombre precioso. Lo peor: El exceso de ruido.
Valoración: 5/10
Tráiler Mejor que: 'Los niños salvajes' (2012). Peor que: 'Yuki y Nina' (2009), una magnífica película sobre la primera amistad.
Muchos eran los seguidores de Kira que esperaban impacientes a que Netflix resucitara con éxito uno de los animes más populares, 'Death Note'. Lo cierto es que los avances, las pequeñas dosis de información y la retahíla de grandes éxitos que traía esta plataforma, nos daba indicios de que por fin veríamos una adaptación a la altura del anime. Nada más lejos de la realidad, pues ya se puede hablar del gran fracaso de la todopoderosa Netflix y es que, aunque la expectación era enorme, el remake de 'Death Note', creó en la tarde del 25 de agosto una avalancha de comentarios de fans furiosos en las redes sociales.
Este nuevo remake de 'Death Note', no solo no funciona cómo adaptación, ya que se han tomado la libertad de modificar cuanto les ha parecido, sino que tampoco funciona como película original, ya que la historia se tropieza por sí misma a medida que va avanzando. Lo cierto es que hay que valorar la valentía que han tenido para mostrarnos un 'Death Note' completamente diferente al que conocíamos, pero el ansia de querer contar los diferentes acontecimientos y la poca relación que hay entre los personajes, hace que este nuevo 'Death Note' sea odiado por muchos.
Este remake nos traerá sorpresas, la mayoría malas, y nos enseñará un Light Yagami con una personalidad completamente diferente a la del manga, conflictos personales nuevos, con una motivación distinta y una relación casi inexistente con Ryuk. La mala dosificación del tiempo hace que apenas podamos conocer en profundidad a los personajes, ni sus relaciones, y hace que el final, que tiene intención de sorprender y de aparecer como una genialidad, parezca una idea estúpida. Impaciencia por contar los acontecimientos, mal desarrollo del argumento y novedades que van a crear heridas en muchos fanáticos.
Aunque lo cierto es que no todo es malo, por suerte cuenta con buenos efectos especiales y un Ryuk que está bastante bien diseñado. Una película que ha sido catalogada para mayores de 16 años, pudiendo así colocar escenas un poco más oscuras o con sangre, lo que ha sido todo un éxito, posiblemente de lo mejor de la cinta. El remake de 'Deah Note' tiene una estética más adolescente y todo muy americanizado, lo que puede hacer que sea más fácil de digerir y que la historia de Light Yagami llegue a más gente.
En cuanto al reparto, Nat Wolf es el encargado de dar vida a Light, Margaret Qualley es Misa Amane, Keith Stafield tiene la difícil tarea de interpretar a L y la voz de Ryuk la pone Willem Dafoe. Es cierto que el trabajo actoral deja bastante que desear, posiblemente por esa aceleración en contar los acontecimientos y en la falta de contacto entre personajes. Además, el doblaje de Ryuk en castellano, para lo que podría haber sido, se queda bastante flojo.
Todo lo que podría haber sido y no fue, 'Death Note' podría haber sido una historia oscura, inteligente bien estructurada, pero en cambio vemos unos garabatos con intención de mejorar algo que ya era perfecto. Solo nos queda rezar para que no hagan una secuela y que dejen descansar en paz a aquellas obras que nos dieron y nos seguirán dando tan buenos momentos.
Lo mejor: Ver que Netflix también es humano y que se equivoca.
Lo peor: La falta de respeto por la obra original.
Nota: 2 Tráiler:
Sinopsis:
Un día, cuando Light termina las clases, encuentra un cuaderno negro tendido en el suelo, llamado 'Death Note', un cuaderno capaz de matar personas si se escribe los nombres en él y si el portavoz visualiza mentalmente la cara de quien quiere asesinar. Nueva adaptación de la famosa serie 'Death Note'.
Lo que comienza como un espléndido viaje en tren a través de Europa, rápidamente se transforma en uno de los misterios con más estilo, suspensa y emoción jamás relatados. Basada en la novela de la popularísima autora Agatha Christie, 'Asesinato en el Orient Express', cuenta la historia de trece extraños aislados en un tren, en la que todos son sospechosos. Un hombre debe emprender una carrera contrarreloj para resolver el rompecabezas antes de que el asesino ataque de nuevo.
La película está dirigida por Kenneth Branagh y tiene todo un reparto estelar en el que figuran Penélope Cruz, Willem Dafoe, Judi Dench, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Daisy Ridley y Josh Gad. El estreno será en noviembre.
John Wick, uno de los fenómenos de acción en Estados Unidos no se estrenará en nuestro país, al menos, no vera la luz ni en los cines, ni en el mercado del DVD. Sera un estreno directamente para televisión, en concreto cuatro sera la encargada de emitir en unas semanas la obra de Chad Stahelski y David Leich. Un trhiller de venganza, donde Keanu Reeves interpretará a John, un asesino a sueldo retirado, que vuelve para vengarse de aquellos que le han arrebatado lo único que le quedaba, un Ford Mustang de 1969 y su pequeña mascota, Daisy. El éxito ha sido tan abrumador que los directores ya trabajan en una secuela.
¿Pero cuales fueron las causas de este éxito? Una de sus mayores bondades es la perfecta coreografía de las escenas de acción en las que hubo inspiración del anime, golpes y porrazos sin florituras, solo con una cantidad portentosa de mal genio. Además John Wick destaca por una espléndida puesta en escena, violenta y pulcra que deriva en un estilo único, planos especialmente cuidados que incluyen iluminación con luces de neón y colores contrastados que nos recordarán a un mundo ciertamente fantasioso. Entiende perfectamente las exigencias de un público que busca acción pero sin dejar de lado la belleza cinematográfica, original y creativa.
Keanu Reeves conocido por ser Neo en Matrix, interpreta a John Wick, un personaje serio que apenas tiene dialogo, pero que a pesar de ello sabe como dar con ese dramatismo poético que envuelve la película. Un reparto que cuenta con Alfie Allen al cual ya hemos visto anteriormente que el personaje de villano le viene como anillo al dedo, también destaca Willem Dafoe que junto a Michael Nyqvist aportan ese estilo de misterio y tipo duro que tan bien le viene al filme.
El punto más débil es el argumento, una idea simple, que carece de diálogo, como un simulador de disparos, a pesar de ello mezcla a la perfección la violencia con el humor irónico y cumple con su objetivo, entretener y contar una historia de venganza. Sin trasfondos, sin reflexiones solo con la elegancia que tanto le caracteriza. A pesar de su simpleza el ritmo es frenético, marcado por las escenas de acción y la música. Una banda sonora acertada con la película y que subraya la brutalidad de las escenas.
Lo mejor: Un concepto nuevo y original que muestra la acción sin dejar en el olvido la elaboración de los planos.
Lo peor: Que para poder hacernos con ella es necesario tirar del mercado estadounidense.
No es de extrañar que esta película haya sido premiada tanto con el Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín, así como el Premio David di Donatello a mejor película extranjera, es por ello, que estamos hablando de un film con una apasionante historia que nos une a diferentes personas: desde una chica que está leyendo el libro del escritor que cuenta la historia del Gran Hotel Budapest, incluyendo a su dueño y, cerrando, nuevamente, con la chica.
Comenzando a comentarla, podríamos hablar de su estilo. Un estilo desenfadado que no dejará indiferente a nadie. Si lo que se está buscando es una película donde predomine la comedia pero que eso no manche la gran calidad de un film, está en el sitio correcto, es decir, ocurren diferentes sucesos, todos haciendo referencia al que era dueño del Gran Hotel Budapest, M. Gustave, interpretado por un gran Ralph Fiennes, junto con la ayuda de su sirviente Zero Moustafa (Tony Revolori) pero con un toque humorístico bastante diferente a lo que solemos ver.
No obstante, esto no se queda aquí, su director Wes Anderson, tiene un estilo propio que merece ser comentado. No precisamente nos referimos al tipo de personajes que aquí se representan, que también, sino al tipo de planos: desde unos grandes movimientos de travelling de izquierda a derecha en la misma secuencia, hasta planos subjetivos que conectan al personaje que está fuera del edificio con la persona que se encuentra en el balcón de arriba de este.
A pesar de que ya hemos hablado de los dos actores más destacados, no es justo que no nombremos a gente con un gran reconocimiento en el cine como son: Adrien Brody, Willem Dafoe, Jude Law o Edward Norton entre otros. No obstante, a pesar de el innumerable número de personas que han pasado por la película, el director ha hecho un buen trabajo a la hora de coordinar a todos, no solo en los planos generales, sino en algunos planos secuencia en los que, cada uno de ellos, debía saber cuál era exactamente su objetivo para que la escena saliera de la mejor manera posible.
En conclusión, una película que, a pesar de situarse en la triste época en la cual, Europa está en guerra, la sutileza con la que está llevada, así como los tonos humorísticos de esta, hace que sea un film que nos adentre de lleno en esta nostalgia del protagonista por su vida pasada mientras nos la está contando.
Gustave H. (Ralph Fiennes), un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, entabla amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), un joven empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna. Como telón de fondo, los levantamientos que transformaron Europa durante la primera mitad del siglo XX.
